UNTIL DEATH OVERTAKES ME - "DIAGENESIS" (AESTHETIC DEATH; ADCD107, 2024)

`Bereavement ravages the mind, and time promises to blunt its strength. A pale wasteland may recover one day, but the guilt that comes with fading memories takes root instead. And here, time only strengthens it. As clear images become abstract dreams, guilt bears down with its growing, crippling mass.The only ones to understand, who could ever forgive, have already gone ahead, and are those same ones fading out of view.

And when they're truly gone, only death may forgive.´

   (new Van Cauter)                                               (old Van Cauter)

Aunque he citado muchísimas veces al belga Sjin Van Cauter en este blog como influencia de otros discos y artistas, es la primera vez que reseño un álbum suyo, y eso que parece que fue ayer cuando mediante catálogos en papel conseguí mi copia del flamante Prelude To Monolith (Firebox, 2003) y pasaron algunos añitos hasta que otra edición física cayó en mis manos: Days Without Hope (Marche Funebre Productions, 2009). Entre medias conseguí un buen puñado de material descargado de la por entonces ineludible Doom Metal.Com donde iban cayendo inexorablemente sus primeros Absence of Life (2001) y Deep Dark Red (2001), que si mal no recuerdo se editaban físico por el sello The Nulll Records del propio artista que entre unas cosas y otras lleva en activo desde más o menos 1999. 

La formación inicial de UDOM incluía a Pamela Durrell (flauta), Elke de Smeldt (guitarra acústica y teclados) y Jo Rennette (guitarra, bajo y teclados) aunque ignoro si existe algo grabado bajo esta formación y las razones por las que se transforma en un proyecto en solitario; lo que sí se es que todo data del periodo comprendido entre 1997 y 1999 donde se hacían llamar MACABRE DESTINY y se coqueteaba con el Folk. La siguiente fotografía que dejo me indica dos cosas... una, que tocaban en directo y la segunda, que efectivamente había flauta:

Lo cierto es que gracias a Stjin y su música me adentré en el Funeral Doom de corte Extremo / Ambient que se extendía además a sus otros proyectos en solitario como Beyond Black Void y The Ethereal (ambos en físico por Marche Funebre), The Sad Sun o vueltas de tuerca ultra retorcidas hacia el Noise o Drone como Fall of the Grey-Winged One, Cold Aeon, Dreams of Dying Stars, I Dream No More... y muchos más. Luego estaba su participación en bandas como los ultrapoliédricos The Nulll Collective, In Somnis, Solicide (llevo buscando su disco en físico una eternidad) o aquel impresionante debut de Wijlen Wij. Tras toda aquella vorágine de primeros del 2000 hasta 2009 o así la producción era impresionante, hasta que vino el silencio y su posterior vuelta la escena con Until Death Overtakes Me con una serie de discos editados por la discográfica italiana Dusktone (AnteMortem y Missing, 2016 y 2018 respectivamente).

Precisamente Wijlen Wij, The Nulll Collective y los espaciales Arcane Voidsplitter son los tres proyectos que acaban editando con el insigne sello AESTHETIC DEATH, además de cerrarse (o abrirse) de alguna manera el círculo (Van Cauter es asiduo colaborador del sello inglés sobre todo en el apartado gráfico y de layout) con este nuevo Diagenesis de UNTIL DEATH OVERTAKES ME que sale en formato Digipack a 6 paneles con el siempre reconocible estilo espacial de artwork de Stijn. El término diagenesis proviene del griego y hace referencia al término geológico de formación de una roca sedimentaria así que imagino que a nivel abstracto conectará con la psique como así atestiguan las letras siempre minimalistas que siempre me han recordado a una especie de vuelta de tuerca (fúnebre) de los Haikus Japoneses. Cuatro temas en 60 minutos sólo apto para iniciados en ese pétreo, monolítico, apelmazado y ultra lento devenir de la música de Stjin.

"Ascension" recupera los efluvios ambientales y sinfónicos de sus primeros discos con una apertura clásica en la que está siempre omnipresente un teclado que te subyugando, una percusión mínima y voz ultragrave al más puro estilo Skepticism. Basado en un tempo tan lento como el devenir de un Kali Yuga, la guitarra plúmbea y ultradistorsionada se acompasa a los platillos de la batería para crear un efeccto irreal / onírico que se acentúa con esas letras ultracósmicas marca de la casa: `I have begun... my eternal sleep / my mind has... been made undone / the self shattered... freely surrendered / to persist only... within memories / and so i may enter... a new existence / one where i am... made of dreams´. Pasajes instrumentales donde se acentúa ese decrépito y necrosado Ambient que contrasta con unas guitarras tan extremas que dan la sensación de ser estallidos de electricidad en el silencio del Cosmos;  puro y genuino Funeral Doom meditativo que induce al trance y que recomiendo escuchar con auriculares a altas horas de la madrugada.

Siguen los 16 minutos de "End's Lure" con unos fabulosos teclados orquestales de cuerdas y ecos al romanticismo de Chopin. La brusca entrada de la guitarra es casi un cañón (la forma insana de tocar la guitarra ha permanecido incólume en cerca de 25 años) y esa percusión bombástica con tambores que imprima al conjunto de un aroma épico decadente. Un cruce entre Skepticism y sus monásticas capas de teclados y los Elend más ambientales. Al igual que su música que tiende a disolverse en el éter espacial, las letras adquieren connotaciones de un pesimismo existencialista considerable: `a return to before / a return to nothing / and all pain will be forgotten / all pain forgotten´. Mi mejor consejo, dejarte llevar...

"White Light" es todo un monolito fúnebre que me recuerda nuevamente a Wijlen Wij. Todos los instrumentos unidos en un hilo umbilical que adquiere cotas mayestáticas con un giro más inmediato que en los anteriores temas. Cuando entra la voz, es otro elemento más en ese imperturbable flujo espacial que se refleja otra vez en las letras y su tono circular, hipnótico, devocional y cíclico:

`tonight we'll dream of the dead stars from where we came

and in dead stars, fragments of us will meet again - again - we must

tonight we'll dream of the dead stars which we will be

tonight we'll dream of the black voids which will take us away

and in time of dead stars, the whole of us undone - undone - undone´

Es impresionante cómo de adictivo suena UDOM a pesar de no variar prácticamente la propuesta en dos décadas. A nivel sonoro, el equivalente al movimiento de los planetas con su magnificencia y letárgica lentitud procesionaria. Diagenesis se cierra recuperando el corte instrumental "For" que si mal no recuerdo es de 2009, año en que se editó en single aunque su versión primitiva es más antigua. Puro y genuino Ambient Funeral Doom que o lo amas o lo odias... no creo que haya medias tintas.

Está claro a estas alturas que yo lo amo.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6545

https://udom.bandcamp.com/

AMSIA - "ESTRATEGIAS PARA EL BAILE" (DISCORDIAN RECORDS, 2024)

Hace tres años que os traje por aquí  KUKUHERRI, editado por Zona Watusa en 2021 y que fuera uno de mis primeros contactos con el trabajo de AMSIA, al que siguiera el excelente Street of Crocodiles (2023). Estrategias para el Baile, que así se llama su nuevo álbum, es otro impresionante collage sonoro donde se usan montañas de Midis, sonidos de librerías, (osteo)síntesis modular, glitches y un sin fín más de trucos electrónicos; para no repetirme, os remito a ambos textos donde incluso encontraréis una entrevista. Volviendo al tema, su nuevo disco es editado en Discordian Records en formato digital y luego el propio artista saca en tirada ultralimitada en formato CD diy, la grabación es en Azkoitia y la masterización obra de Estanis Elorza (Doctor Master). Artwork y diseño es de PRCT y el diseño de la contraportada de Aorita. Nada más pulsamos play te viene un bofetón de texturas que han sido pergeñadas mediante:

Eurorack modular synthesizer, turntables and various sound modules and samplers (Clavia Nord Micromodular, Ketron SD2, Yamaha QY70, Korg M1r, Korg MS2000r, Kurzweil Micro Ensemble, E-MU Orbit3, E-MU Morpheus, E-MU Carnaval, E-MU Planet Phatt, E-MU Proteus 2000, E-MU 5000 Ultra, E-MU Esi4000, AKAI Z8, AKAI S1000, AKAI S5000, AKAI MPC1000, Roland JV-1010, Roland JV-1080, Roland Fantom XR, Roland M-OC1, Roland VariOS, Roland SRV-3030, Alesis MIDIVERB II, Elektron Analog RYTM, Kawai K4r, Kawai K5m, Pioneer EFX 500).

Dicho lo cual, nos adentramos en los 11 minutos del homónimo "Estrategias para el Baile" donde la Electrónica y el Jazz juguetean en mini ecosistemas cortos al estilo de la Toy Music de John Zorn o algunos experimentos de Jad Fair. Es tan densa la maraña de sonidos que la estructura / vértebra misma parece beber de la Impro y el Free, aun teniendo todo ese andamiaje electrónico detrás. Imposible no acordarse de una versión menos rockera de los CASSIBER con sus corta y pega de cintas magnetofónicas y un cierto aire selvático-cibernético que planea por ese Cuarto Mundo de Hassell o los retablos Ambient de Brian Eno. La angularidad es tan extrema que se deforma el sonido hasta producir momentos que a priori pudieran parecer errores acaban conformando todo un bastión de Avantgarde Jazz electrocontacioso y brutalmente experimental que roza el Noise en momentos puntuales. Si el Jazz fuera un ente antropomorfo esto sería el equivalente a la descomposición del cuerpo (ElectroJazzRot).

A un pasito de la Electroacústica y la Clásica Moderna con la breve pieza de cuerdas poliédricas "Matando al Minotauro", que contrasta con la muy enrevesada "Laboratorio de Tizas", dadaísta (des)composición donde los vientos y efectos procesados desafían al oyente hasta dejarlo totalmente exhausto y es que Estrategias para el Baile es muchísimo más enrevesado que Street of Crocodiles, al menos en mi opinión. Es apabullante cómo Amsia juega con los recursos propios del Free y los trasloca a la electrónica y me explico... "Nocturna Discordia" y sus sincopados cambios, giros y derrapes están pasados por una sordina parecida a la que se usa con los instrumentos de viento dando al conjunto final un tono retrofuturista Noir y cuasi Ciberpunk que finiquitan una primera parte del álbum bastante salvaje en lo sonoro.

"El Impulso Heroico y la Dimensión Insondable" es extenso (13 minutos) y juega en tempos más lentos, bombásticos y de cariz épico (algo así como la banda sonora de un Peplum hispanoitaliano experimental apócrifo). Percusiones Gamelan se mezclan con sinfonismo de ferretería, golpes histriónicos de superficies metálicas, bamboleos ululantes, glitches, harsh noise autolimitado y ráfagas de vientos en un score mistérico muy cinematográfico, plagado de funambulismo electroacústico y todo eso que responde al nombre genérico de SoundArt. Es tan amplio el espectro / abanico de sonidos entrelazados que desentrañarlos es el equivalente a despellejar en vida a un ser humano. Cuesta dentro de semejante abstracción hablar de crescendos porque la sensación es la de una película que se te está contando no de forma lineal, sino como si todos los fotogramas fueran una línea horizontal que pudiera abarcarse con la vista y transcurrieran en el mismo momento. 

Sigue "Tokiorainbowpikachucorporation", punkarra efervescencia de neón con muchas percusiones y ritmos que se cortan tan abruptamente como el tajo de un cútter, hasta que todo se va desvaneciendo hacia la oscura sala de interrogatorios de una cárcel de Pikachus convictos que son torturados mediante el suplicio de no ser capaces nunca de terminar una melodía (por lo visto, eso mata a los Pikachus). Mismo estilo pero más cool (jazz incluso) es "Inork Ezaitu Horrela Ikushi Nahi" que vuela hacia un cruce entre Naked City y los discos más australes de Ikue Mori que además se permite un fade out luminiscente, melódico y cercano a la New Age.

Fulmina el disco la muy oscura "Malakula Chief Nakamal", con apertura inusual de Dark Ambient y algo de lisergia espacial necrosada. Me encanta esta faceta `lenta´ que permite pasear entre densas columnas sonoras y admirar todo un paisaje de catedrales construídas con potenciómetros, leds y ristras interminables de librerías sonoras. Es el nuevo Golem que haría palidecer a Meyrink y donde Amsia ejerce de Cabalista Sonoro que cambia la arcilla por ondas sinusoidales que perfilan submundos y otredades cósmicas, singularidades insospechadas y un pulsátil drone adimensional tan ciclópeo como la misma Polinesia. Muy recomendable el tema escondido.... toda una rendición a la Kosmische.

https://discordianrecords.bandcamp.com/album/estrategias-para-el-baile

Para copia física, escribir al artista a sus redes sociales.

TÉTANO-CUTANÉ / EN FER - "SPLIT" (AUTOEDICIÓN, 2024)

Hay círculos que precisan cerrarse y dentaduras melladas que precisan adecentarse así que en toda su gloria espacial, os traigo la reseña del Split de los Canadienses EN FER con TÈTANO-CUTANÉ también de Montreal (Quebec). Bien.... la cosa es que quien suela salir a orinar al espacio sabrá que por aquí ya os traje reseñas de su excelente debut autoeditado Gros Rock (2023), al que siguieran los brutales La Collision (2024) y el compartido junto a DISEMSEMBLE (2024). Todo ello un aliño en salmuera ácima de Space Rock y Noise Lo fi equivalente a darle forma redondeada a un detritus espacial con los empastes de amalgama de mercurio que ponían en los dientes en mi infancia. ¿Por qué se graba este Split?.... pues Martin Sasseville lo explica a la perfección:

`We discussed with Tétano-Cutané’s Vincent Latulippe to do a split with us a while ago. We are big fans of his works and he is a very friendly person we love to work with. It took a while for many reasons, nearly a year since the initial release planned date, but here it is.

The main thing that we love in Vincent’s works is that he is a true pure musical artist with a very creative attitude. Sounds cliché, but you don’t get across that kind of person often, we can name just a few. He builds his own guitars, hack the other instruments at his own will, record most of his stuff, do all the arts, self-release most of his stuff, often plays live alone (though, sometimes accompanied by a drummer sometimes), etc. A total DIY artist´.

Pues dicho y hecho. Dos temas de 10 minutos, uno por cada cara de la cassette que esta vez el artwork alía tanto a Martin Sasseville haciendo el collage habitual en sus ediciones como al propio Latulippe pintando encima de dichos collages. La Cara A es para EN FER que vuelven a ser Alex Pelchat, Michel Meunier, Charly Buss, Reüel Ordoñez (encargado también de grabación / mezcla en Studio SYP, Montréal) y Martin Sasseville. "Riviere A" es un tema bastante sutil, y calmado comparado con otras erupciones previas que os he traído de ellos anteriormente que pertenece a las sesiones descartadas de Gros Rock cuando se estaba gestando en 2022. Cadencia mediúmnica con teclados y efectos vibrando en la misma longitud de onda que una shruti box, acoples drónicos y wah wah eterno sobre base rítmica opiácea son los ingredientes sobre los que se construye ese Space Rock sucio y cuasi atonal que tanto me gusta. La sensación no es de despegue sino de mantenimiento de la estabilidad aunque sí que hay peligro de perder los remaches de la nave con esos apelmazados riffs de guitarra que aquí EN FER han decidido sumergir en un tempo lento y cuasi Doom sobre todo en una parte central que se aboca lenta pero inexorablemente a una taimada pero efectiva, psicodélica y necrótica Jam crujiente.

La Cara B es para la extrañísima Jam Psych Session "Tétano-Cutané - 2036" que suena brutalmente atonal y Kosmische en su primera parte con un abanico de guitarras y percusiones que remiten a esa oscuridad metempsicótica del más oscurísimo Kraut. Lo que a priori parece un corte circense aleatoriamente Dadá, acaba conviertiéndose en una matemática pieza con la entrada allá por el minuto 3 de una estructura mucho más rockera que te va escarbando la psique como un abceso mental; brutal delirio Noise con pleitesía hacia el Avantgarde guitarrero a lo Frith que va añadiendo capas como un andamio sonoro pero sin perder el cariz crudo y Lo fi que emana de este tipo de proyectos. Allá por el minuto seis y pico estalla en un mántrico delirio cacharril que emula a instrumentos de vientos y lo que parecen voces metálicas eructadas por el esófago de Dios. Una especie de cruce entre Jad Fair y Buckethead.... o eso me ha parecido a mí.

Por supuesto, te deja ganas de muchísimo más. Podéis adquirir la cinta junto a otras en cómodos bundles a través de:

https://ironapproved.bandcamp.com/merch

https://tetanosband.bandcamp.com/music

AVELINO SAAVEDRA, OBRA PLÁSTICA (EDITORALIA EDICIONES, 2025)

 

Vamos por partes.

Gracias por las 900.000 visitas a La Muerte Tenía Un Blog. Saliendo de mi zona de comfort desde 2010.

Un saludo a los que no me soportan, a los que me han insultado a lo largo de estos años por mantenerme firme en mis obsesiones, a los que me mandan enlaces digitales y sobre todo, a los que no saben que antes de que llegueran yo ya estuve allí.

-----------------------------------------------

En otro orden de cosas, EdictOràlia Llibres i Publicacions ha editado la obra plástica de Avelino Saavedra en un voluminoso, cuidado, apabullante libraco a todo color donde he tenido en inmenso honor de poder poner unas letras que bueno, Avelino Saavedra y Josep Lluís Galiana han tenido a bien de juzgar pertinentes a pesar de su cariz ultraterreno y mediúmnico. Si alguien no entiende algo del texto, le recomiendo pase directamente a la página 19 donde:

Joan Gómez Alemany despieza con precisión de cirujano y ya con buen hacer literario, académico y profundo el amplio abanico estilístico de Saavedra. Avanza pors secciones y aparecen por ahí mi amigo en la distante cercanía A.L. Guillén, personas más completas celularmente que yo amartillando fabulosas reflexiones como Bartolomé Ferrando, Fuencisla Francés, Álvaro Terrones y el grandioso hijo de KORG, Javier Piñango. Tiene a bien dinamitar esta fabulosa edición Josep Lluís Galiana en un impagable texto final donde adorna en su hermanamiento de música y amistad con Saavedra.

¿Qué más decir?........... Pues que cuando abres el libro y ves la pureza del arte de Avelino Saavedra el aliento se corta.

IMPRESCINDIBLE EDICIÓN que me está poniendo tontorrona la zona del Muladara Chakra.

https://www.edictoralia.com/avelino-saavedra-obra-plastica-y-mas/

ROT COVEN - "NIGHTMARES DEVOUR THE WAKING WORLD" (AESTHETIC DEATH; ADCD 105, 2024)

Desde las pútridas ciénagas necro verdosas del sureste de Pensilvania nos llega uno de esos proyectos que se instalan en tu psique como un parásito hasta que te acaban colonizando por entero... ROT COVEN, duo de apabullante Noise Industrial Doom ultra extremo formado en 2020 pero que cuenta con dos miembros que vienen ya colaborando desde hace prácticamente dos décadas. Su cariz experimental y eclecticismo da para bastante pero así de sopetón, así que imaginad una mezcla entre algunos discos de los SPK, Khanate, Skullflower, Ramleh y la pulsatilidad de Throbbing Gristle, SWANS o Einstürzende Neubauten mezclada con los discos más EBM de Controlled Bleeding. Cuando sumes estos ingredientes te darás cuenta primero de que te vas a quedar corto, y que es mejor simplificar resumiendo con que el tremebundo doble disco, Nightmares Devour the Waking World es en resumidas cuentas un desafío séptico al oyente que equilata a la perfección la aspereza del Harsh Noise con un Doom de corte experimental y avantgarde que podría recordar a los siempre olvidados Zaraza. Algo así como si una cósmica Deidad Perdida te lanzara una pedrada con un tirachinas existencial.

Evidentemente, estos sonidos sólo pueden salir de la siempre acertada apuesta de AESTHETIC DEATH que se marca un fabuloso doble digipack que incluye por un lado en el CD 1 el disco Nightmare Devour the Waking World (subtitulado como Phase I y que se editó en digital en 2023 y aquí masterizada para la ocasión), y un álbum nuevo en el CD 2 llamado Phase II que es de 2024. El resto de los créditos se va para el artwork / logo de vieja escuela de Nate Vaught (Brainvault Studio) y masterizado de Tom Waltz (Waltz Audio Mastering) tras grabación que se realiza en In the Murder Shed (2023/2024).

La críptica formación se compone de miembros que han estado o están en Sun Wound, Celestial Furnace, Six Billion Light Years, Teeth Engraved With The Names Of The Dead y más proyectos que ahora no logro identificar. Aquí, y en la esquina orinada del meteorito que subyace detrás de Orión, Rot Coven son:

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

MZ - Drums/ Vocals/ Noise/ Scrap Metal/ Bass/ Amplified Coil Spring/ Synth/ Shortwave Radio

DD - Baritone Guitar/ Vocals/ Drums/ Noise/ Synth/ E-Bow

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

                                                                    

El CD 1 (Nightmares Devour the Waking World, Phase I) se abre cortándote el aliento. "Blood Pours Out of the Sun" es un crescendo que va desde el puro Dark Ambient cuasi cinematográfico a un sincopado ritmo marcial con percusiones épicas que se mezclan a la perfección con el Noise en una densa subtrama que va a caballo entre el Industrial Noise tipo SPK o Ramleh a proyectos espaciales tan denostados como los Funeral Doom rusos Septic Mind. Se hace mucho hincapié en la melodía hasta el punto de que puede recordarte también (por citar cosas más contemporáneas) a Pharmakon o Trepaneringsritualen aunque realmente cuando todo estalla es a MZ412 a quien tengo en mente. Aunque se cite por ahí en otros medios al Sludge (quizás por la suciedad del sonido), no es algo que yo realmente comparta; para mí esto es muy más abyecto, crudo y visceral, especialmente en el ecléctico uso de las voces que aunque por lo general se centran en algo cercano al Power Electronics, van desde lo rasgado a lo cuasi imperceptible, pasando por cánticos procesados y acercamientos al Black doom. 

Por cierto, vuelvo a romper una lanza por Uncertainty Principle, Zaraza, The Nulll Collective, Torture Wheel, Hlidolf y en general, todo ese sustrato ultra underground que me curtió en salmuera sónica. La sensación de irrealidad o mejor dicho, realidad anómala que me transmitían esos grupos sale a relucir en Rot Coven como un exudado post mortem en "Feast Of The Rotted Mother" donde las guitarras se cargan de la electricidad estática producto del telurismo que lleva nuestra Galaxia a un punto indeterminado de fuga en el centro del puto cosmos. Sobre una base ruidista se abre inexorable una lenta melodía fúnebre de guitarra que se va apelmazando con una base rítmica sincopada y procesionaria. Si esto no es Doom, que venga Dios y me amortaje. Fabuloso cuando todo estalla en una inconmensurable rabia Black donde no queda ni un resquicio por el que respirar y sin duda con mucha vértebra atonal / caleidoscópica de los dioses ESOTERIC.

Impresionante abanico de Death Industrial cósmico que pasa por fases contemplativas como ese inicio abisal de "Antimatter Halo" cargado de minimalismo arrastrado, profundidad Doom y que se va creciendo en sus 11 minutos de extensión en una molécula bivalente y cíclica entre Godflesh y Coffins. Si los dos anteriores cortes eran buenos, este me parece perfecto. Tempos bien medidos, guitarras que entran aceradas en buenos solos que contrastan con las partes más ruidistas y una profundísima sensación de `disociación mental´ que suelo alcanzar con este tipo de discos. 

Siguen los 4 minutos de respiro ambiental y Harsh Noise de "Queen of the Void", preludio perfecto para el cierre monolítico de "Those Who Worship Fallen Stars", con inicio basado en sintetizadores espaciales, cánticos etéretos y cierto halo mistérico a la Kosmische tipo Tangerine Dream o como si a los Popol Vuh les hubiera dado por el Metal. Sin prisa por arrancar, se van añadiendo elementos que junto a la guitarra se enclavan en un Funeral Doom de libro, pegadizo como una meningitis espongiforme y por momentos recordándome al más acústico Transience (2016) de los japoneses Funeral Moth. Si existe algo parecido al Doomgaze es esto. 

El CD 2 es su nuevo álbum, creo que llamado simplemente Phase II y que consta de 3 cortes en 44 minutos. Mismos protagonistas, misma asfixia. "Inverted Chasm" roza los 20 minutos y vuelve a traer esa oxidada pátina mortuoria del Industrial Doom (género que o amas u odias). A ritmo sincopado, la base rítmica te lleva de la mano a un viaje de no retorno al inframundo que por cierto, recomiendo escuchar con auriculares para captar toda la plétora de sonidos que arropan un doble juego de voces (gutural y otro algo más chillón) descomunal. Golpeo de metales, roces y glitches en el reverso tenebroso de unos Einstürzende Neubauten o ese olvidadísimo primer disco Stahlwerksinfonie (1981) de Die Krupps. Pasajes de guitarras en general un álbum más estructurado y menos caótico que el anterior en el sentido de que está más depurado (pero sólo un poquito más porque la tetania decrépita sigue acechando). 

Sobre el minuto 10 se vuelve a la sobriedad cósmica del inicio en una insania loopeada tipo Abruptum (última etapa, se entiende) y con voces cercanas al Suicidal Black. Nuevo inicio pues para un mismo tema pero esta vez desde una óptica todavía más apesadumbrada y plúmbea donde la organicidad de la percusión ha mejorado muchísimo con respecto al otro disco y eso imbuye al conjunto de cierto aire retro a pesar de lo Avantgarde del asunto (ojito a los insertos futuristas tipo Esoteric) hasta el punto de que asoma un aroma tribal lejano (eso sí, no sé si la tribu en cuestión es de aquí o de Ganímedes).

"Psychological Contamination Zone" es casi un score de un Survival Horror, pura moozak atmosférico para preludiar "Accretion Disk Necropolis" que se yergue por derecho propio como el digno colofón que es... una excelsa incursión en el lado oscuro de la psique muy cercano a Ramleh, Theologian, Ramleh e incluso Gnaw Their Tongues.... serpenteante, maligna, oscura y hermética escalera `escheriana´ que te destila lo anteriormente descrito en una pasta alquitranada tan oscura y densa con la que amortajarte en vida en un poliédrico sudario cargado de dádivas para atravesar el río Styx.

Otro de mis discos del año. SOBERBIO.

https://www.aestheticdeath.com/releases.php?mode=singleitem&albumid=6475

https://rusteater.bandcamp.com/

GUILLERMO MARTÍN VIANA - "SONGS OF RAGE AND IMPOTENCE 1LL0~ Remixes" (OIGOVISIONES LABEL; OV·26, 2024)

Seamos claros. La primera vez que escuché a Songs of rage and impotence - 1LL0~ Remixes del sevillano afincado en La Hague, Guillermo Martín-Viana (pintor, diseñador gráfico, programador, músico y artista multimedia) me costó creer que fuera una edición de Oigovisiones Label de Málaga. No porque no pegue en su estilo, que si que lo hace, sino porque por algún cable suelto que tengo por ahí dentro la música de este brutal quinteto me ha remitido a esa vuelta de tuerca del Spiritual Jazz conectado a la electrónica de sellos como International Anthem de Chicago o Souffle Continu de Francia (por ejemplo, aquella espectacular edición de In Fractured Silence donde colaboraban los Nurse With Wound). Tengo que reconocer que no sabía de su trabajo y ya me he hecho la flebotomía de castigo correspondiente, máxime teniendo en cuenta que la escena underground Sevillana me la tenía bastante trabajada aunque claro, más por la vertiente Jazz a la que se accede por el Rock y el Metal (escúchese, léase, investíguese Hidden Forces Trio, Sputnik Trio, Malheur, Proyecto Ocnos...) y no desde la perspectiva de la electrónica aunque creo que no ando muy desencaminado que este álbum suena como todos los artistas anteriores pasados por la turmix del gran David Cordero.

Oigovisiones Label me hace el trabajo con este perfecto resumen de su trayectoria: `Guillermo Martín-Viana (1995) es un baterista, compositor y artista visual de origen sevillano. Su versátil carrera artística le ha llevado por algunos de los principales escenarios de los Países Bajos (Paradiso, Het Concertgebouw Kleine Zaal, Paard, Oerol, Zwarte Cross, Parkpop, Melkweg, De Ruimte), así como por una gran variedad de salas de todo el mundo (Corea del Sur, Nepal, México, Italia, Japón, Bélgica), tocando estilos tan diversos como hard bop, cumbia, música electroacústica, jazz, klezmer, free improv, ska y thrash metal´. 

Para entender bien del todo la base de este proyecto, hay que insistir en que `material del que parte es fruto orgánico de las composiciones de Guillermo para un «cuarteto de jazz extendido». Esto en manos de 1LL0~ (Guillermo junto a Juan Luis Montoro), quienes ya participaron en nuestro Acto de Fe, aporta una riqueza musical con la que traspasan libremente estilos y mezclan ambient, jazz, impro, electrónica, progrock o electroacústica sin complejos´.

Leído el anterior texto había algo que no me cuadraba y es que creía controlar todo lo editado por OV LABEL pero tras una corta investigación averiguo que efectivamente, no tengo el recopilatorio Acto de Fe (2020, creo que agotado), donde los citados 1LL0~ hicieron acto de presencia. Necesito hacerme con esto porque encima sale mi admirado Miguel Souto o mi amigo Pepo Galán... aunque eso ya es otra historia. Pues bien, seguimos dando detalles; Sons of Rage and Impotence se graba en vivo como cuarteto de Jazz con Danilo Mormandl (guitarra eléctrica), Raúl Santana (teclados), River Adomelt (contrabajo), Juan Luis Montoro (electrónica) y Guillermo Martín-Viana (batería) para posteriormente abordarlo desde una postproducción añadir efectos, modelado de sonido y demás virguerías (instrumentos base muteados, ondas de ruido pseudo-aleatorio, algoritmos en SuperCollider....) y transformando el álbum en crudo en esta otra cosa que ha dado en llamarse como digo, Songs of rage and impotence - 1LL0~ Remixes. Y es imposible no hacer hincapié en el excepcional trabajo artístico artesanal de Oigovisiones Label que fulcanellizan el vinilo con:

Mate UV protected open custom sleeve on 350gr paper

Risographic printed Postcard with a download code of Original "Songs of rage & impotence"

140gr black vinyl

Black paper antistatic innersleeve

PVC protective sleeve

https://sophieczich.com/

Dicho lo cual, aprovecho para decir que en la edición física (porque esto ha salido en vinilo) viene una tarjeta diseñada por Sophie Czich que si mis datos no son erróneos, son para la descarga de la grabación jazzera en bruto sin remezclas. El resto del apartado técnico se nos va al clásico inconmensurable mil veces nombrado en el Blog Francisco Ureba y sus Trafalgar Estudios, quien además hace la mezcla con Guillermo y Juan Luis. La masterización corre a cargo de Murat Çolak (GERYON). Apartado gráfico como digo de Sopie Czich y si queréis coincidencias, pues resulta que Juan Luis Montoro que hace la electrónica ya participó en el álbum Interlingua Musical del ruidista tartésico Ortiz Morales que reseñé por estas lides.

Línea de contrabajo muy a lo Mingus para abrir "Trains are Better than Planes [1LL0~ remix]" sobre un fondo de electrónica pseudo-selvática al más puro estilo de Eno o John Hassell. Luminiscente y evocadora el procesado de la guitarra eléctrica que transita rozando el Jazz Rock desértico e incluso diría que el Space Rock crepuscular de unos Yawning Man mientras notas burbujeantes ultracósmicas me hacen dudar de que no se trate de algún álbum perdido de la época de la Kosmische Alemana. Glorioso como los teclados parecen derrapar hacia un Hammond y la sutilidad de una batería que deja muchísimo espacio para que se desarrolle en primerísimo plano el bajo que está particularme enorme. Lejos de decaer se va en ascenso directo en un in crescendo épico con multiplicidad de capas vertebrando una suerte de Drone Jazz cósmico de alto voltaje. 

La grandilocuencia del anterior contrasta con "Callejeando - an Ode to Tourism [raw]", que si no me equivoco se ha respetado tal cual del álbum original. Pianos más lento que Satie tras una dosis excesiva de Diazepam se van derramando en una melodía circular tipo caja de música que conforme va avanzando añade más notas, sube el tempo y entra el contrabajo creando un mistérico clímax Noir que aunque no es ni Cool Jazz ni Avantgarde.... es algo a medio camino que gusta primero por el uso de melodías no previsibles, y por el otro por su roce tangencial en terrenos más Free (sin llegar a la abstracción de Cecil Taylor a quien cito por ser un corte guiado por un piano fabuloso). Por cierto, otra vez impresionante Adomelt al contrabajo. Sigue "Callejeando (your hometown is now a theme park) [SC]" con efectos percusivos de Guillermo que me remiten nuevamente tanto al Cuarto Mundo de Hassell como al glorioso MU de Cherry / Blackwell. Selvático, claustrofóbico y amenazante conforme se va trenzando con toda una vorágine de ruidos de todo tipo propios de la electroacústica pura y dura, todo ello desmenuzado para el gran público en clave de Free Jazz angular.

"Don’t be Afraid of Being Underestimated" cierra la Cara A con cinco minutos que empiezan con un dorne de contrabajo tocado al arco, mayestáticos cascabeles y teclados y en general, algo parecido a la electroacústica sombría que conecta con el Dark Ambient. Aquí la guitarra se explaya haciendo dupla con la batería de Guillermo que junto con el flujo drónico en segundo plano provoca desasosiego en el oyente... el tema más jazzero hasta ahora y para mí el que más me ha sobrecogido. Estalla la guitarra al punto de conectarse con lo metalero y por momentos me parece estar metido en uno de esos discos de Tzadik o de Doom Jazz que parecen mezclar Klezmer con Doom (y evidentemente Jazz) tocados a un tempo tan lento como el devenir de un Kali Yuga.

La Cara B la ocupan los 22 minutos de "Paz (para mi madre) [Extended version]" cuyos pastorales inicios remiten a los Popol Vuh más introspectivos y es que sin querer meterme demasiado en el tema, hay muchos elementos en común con el Progresivo setentero aquí y allá. Flotante Ambient orgánico de corte mántrico e hipnótico en el que irrumpen etéreas voces oceánicas (Alba Careta) embarullada en una base compacta y barroca muy del estilo del malagueño Pepo Galán. Lo que parecen flautas tipo Ney (que es una Turkish Kaval a cargo de Tomás Carrasco Gubernatis) copulan con las espirales notas de una guitarra española, (Moa Edmunds Guevara) que zurce una bella melodía levemente sugerida y que se completa por entero en el cerebro del oyente a modo de puzzle. Si mezclas Hassell en el disco que sacó con los Harmonia, le metes a The Orb y hierves a punto de ebullición en el caldo del Prog Folk... bueno, si haces eso es que estás tan mal de la cabeza como yo. Eclecticismo, experimentación, emanación para un corte que bebe de toda esa corriente que mezcló lo oriental con la Kosmische (Deuter, Popol Vuh, Schulze y especialmente por la guitarra, Sergius Golowin (Lord Krishna von Goloka).

En resumidas cuentas, un vinilo de adquisición obligada limitado a 100 copias exquisitamente editado con buen gusto y hacer por OIGOVISIONES LABEL.

https://oigovisioneslabel.com/portfolio/songs-of-rage-impotence-1ll0-remixes

BLADIMIR ROS - "UN TRAGO DE LUZ" (PRODUCCIONES SIN/CON PASIONES; 2024)

reseña dedicada a DON MANUEL LUQUE

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

`Ya es imposible no verlo.

Esto se va a acabar.

Un asteroide gigante

viene a toda velocidad.

Brilla en el cielo nocturno

con colores no vistos jamás.

Atraviesa la galaxia

con su enorme cola glaciar.´

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

Vuelven BLADIMIR ROS dos años después del excepcional La Batalla por las Tabernas con un nuevo álbum de corte bastante más intimista (quizás la palabra correcta es `directo´) pero que en ningún momento baja el listón en su particular forma de entender la podredumbre existencial, o suerte de necrosis del alma que al caso es lo mismo y es que subyace en un segundo plano un aroma pesimista nada desdeñable que aflora sobre todo conforme vas dándole más y más escuchas. Cultura que se cronifica en Arte cual pauta farmacológica abusiva para oyentes adictos al odio poético, desgarrador e irónico desde su ácimo debut homónimo Bladimir Ros (2019), por fin tenemos otra vez en el candelero a una de las bandas más soterradas del panorama nacional (para mí, merecen la GLORIA).

He escrito muchísimo y extenso sobre ellos, y por supuesto sobre la posibilidad existencial de que el Klezmer hubiera nacido en Zaragoza bajo la carpa de un decrépito circo (chatarrero, por supuesto) donde tocaran músicos de esos que nadie sabe cuándo llegaron a este plano existencial; músicos de esos que son `hombres orquesta´ acompañados de crooners avejentados aquejados de tetania, y curtidos en barrica con voces almidonadas en salmuera.... músicos que podrían ganarse la vida pasando por los barrios repartiendo jeringuillas usadas para a la vez que despliegan su arte, afilar las navajas y tijeras de los vecinos para batirse en duelo en los jardines traseros... músicos de esos que cabalgan la insania poética en sus letras al estilo Mallarmé, Panero y por supuestísimo, músicos de esos que mantienen una mirada fija con el espectador cuando están en el escenario y creedme cuando os digo de que eso, eso impone.

Un Trago de Luz es el nombre del álbum que vuelve a editarse en formato vinilo, esta vez a cargo de Producciones Sin/Con Pasiones y por cierto está muy bien prensado sonando de lujo tras la grabación, edición y mezclas de Juan Miguel Sánchez (Inguz) / Carlos Chahuan y la posterior masterización de Inguz. Diseño y fotografía de portada corren a cargo de Óscar Baiges manteniendo el fiel espíritu original de blancos y negros con toques amarillos que me encanta (y no, no es un Giallo, ni ellos son los STRYPER y mucho menos la banda sonora apócrifa de la Abeja Maya). A la sazón, aquí Bladimir Ros son Ros Beret (`cuerdas vocales de cristal de bohemia agrietadas al pil-pil´), Carlos Chahuan (`faca con mango de ciervo de seis hojas´), Sergio Pons (`faca más estilosa de persona mayor y más sutil´) y Roberto García (`al dale que te pego bombástico´). Colaboran Julio Lafuente (bajo), Tomás Basabilbaso (piano y teclado), Saúl Arriojas (percusión y batería) y María Menéndez (coros). 

Abre la acústica amable punteada con anti slide necro/surf en "Meteorito", muy del estilo Javier Colis y sus últimos proyectos. La apocalíptica letra de Ros Beret roza la belleza cósmica aunque la pátina de tristeza impresa en la base rítmica sea de órdago. Letra y música para ver y sentir el fin de todo y,  xuriosamente en lo musical se me viene a la mente el último disco de los RIP KC aunque no logro identificar la razón (sapiencia melómana inconsciente versus demencia de que esto escribe). En palabras traducir el disco sería como llegar de veraneo a una playa con arena completamente negra, agua blanco esperma y clavar tu sombrilla y observar el hongo nuclear acercarse como una dádiva Hawaiiana. Por supuesto, las sandías se siguen metiendo en el rompiente.

Qué buenos son Bladimir Ros joder y qué me gusta los registros vocales canallas de Beret mientras dice eso de `no hay jinetes en la tormenta, tampoco trompetas del juicio final. Sólo en el silencio del bosque, el tintineo de las copas de champán´. Sigue "Abracadabra" con excelso Pop rock de autor, con ligeros toques oscurantistas que podrían conectarse con los temas más accesibles de los míticos El Luto del Rey Cuervo, y que embelesa con sucesivas escuchas y unas letras que me siguen pareciendo magistrales (`grita abracadabra conmigo, y no habrá peste ni imbécil, abracadabra conmigo, ni ejército ni huracán. Grita abracadabra, amor mío, y esta será nuestra tierra, abracadabra conmigo, de ella saldrá nuestro pan´). 

"Con un Farol" abre el abanico de la eléctrica en una pedalera que se expande como una versión haitiana ultra opiácea. Voz en primer plano sobre base rítmica simple pero efectiva. Poco acostumbrados estamos a buenas melodías y canciones (sí, canciones de toda la vida) trabajadas en forma de micro-historias con su nudo y desenlace, y que se te pega al encéfalo como una meningitis espongiforme o una tenia en el intestino. Bladimir Ros componen temas claramente para teatralizarlos y aprovechar la impresionante presencia de Ros Beret que se yergue como el frontman que oficia las homilías rurales de la españa de Baroja y Delibes... usan un Folk pastoral y circense con tintes Noir que estalla en esos sincopados ritmos mitad Ragtime, mitad Mancini en "Capitán, Capitán" que con su piano de taberna, su obsesiva línea de bajo y su olor a salitre es otra muestra de rock canalla. 

Los que me conocen saben que lubrico con los ritmos lentos, y "El Pájaro Cantor (Ve Apagando la Luz)" y su órgano teclado de Iglesia cutre evangelista es la base perfecta para construir un maravilloso himno Gospel poético, alegórico y cargado de desamor. Todo flota en uno de esos días neblinosos cargados de humedad; onirismo bonachón con su in crescendo homiliesco en el que la guitarra marca cada nota a sangre y fuego. Sigue el pseudo Tropicalismo Cañí (no existe eso, pero yo tampoco) de "Un Trago del Cielo" con algo de los primeros Gabinete Caligari; muy buenas percusiones y si el cha cha chá no llega es porque el coma etílico llega antes. Especificar que es un tema perfecto para que bailen los torpes porque exije sólo un ligero meneo o balanceo que copa en mano no queda mal y como sé que os vestís bien con camisas estampadas o medias de rejilla sobre deportivas, pues quedáis como señor@s. 

Crepuscular, acústica y desértica resulta "Ciudad sin Sombra", posiblemente de los temas que más me recuerdan a los discos anteriores; una delicia cuando aceleran el ritmo en esta especie de himnos etílicos. Especial mención al mini pasaje instrumental que se marcan con un fundido a negro percusivo que me flipa. "Río Huerva" es una juguetona joyita que se va creciendo con leves toques sinfónicos y unos ecos preciosistas que acaban conformando la canción de amor hacia un río más bonita jamás creada... el río Huerva (Olba para los Celtíberos, Bhat Warba para los musulmanes), afluente del Ebro y antigualmente escoltado por hordas de olivares. 

"La Enfermería" es pura esencia Bladimir Ros recogiendo el atavismo folk ancestral de las canciones e historias tocadas y contadas al amparo de la fogata. Coros de María Menéndez, y teclados que vibran en la longitud de onda de un acordeón en una estructura de algo tan fácil y difícil de etiquetar como Tango Teratogénico Marcial (ahí lo dejo). Bajo punzante castizo de chulapería mientras las letras te destrozan de dentro a fuera (`bailaré en tu enfermería mientras cae fuera el invierno, aunque sonría la muerte señalando su reloj´). Cierra "El Gran Encierro" que es posiblemente el mejor cierre de álbum que he escuchado en los últimos años.... espectral en su música estructurada en modo de mini-suite (dura 3 minutos pero de aquí podría haberse sacado mucho más) y especialmente en las voces graves que llegan desde un plano irreal. 

Puedo seguir describiendo pero prefiero fundirme con las letras de este IMPRESCINDIBLE DISCO y tercera obra maestra (más sosegada, pero más oscura en algunos tramos y cargada de pesimismo) de BLADIMIR ROS. Otro de mis candidatos a disco del año:

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

`No sé cuánto tiempo llevo aquí ni por qué,

hace ya unos meses que no se ve el sol.

El cielo es plomizo y gris desde el amanecer

y veo peces muertos flotando alrededor.

Y ahora llueve ceniza

lentamente sobre el mar.

Llueve otra vez ceniza

desde la oscuridad.

Oigo algunas voces no muy lejos de aquí,

pero puede que sólo estén en mi interior.

Mentalmente lanzo esta oración al mar,

lánguidas plegarias para un mundo sin dios.

que se cierren los ojos,

que me alcance ya el sueño,

que se callen las voces

para poder dormir,

para poder dormir,

sólo quiero dormir,

sólo queda dormir,

si pudiera dormir.´

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

https://bladimir-ros.bandcamp.com/album/un-trago-de-luz

BLIND RULER CURSED LAND - "MUSIC FOR FIREWALKERS" (SKY BURIAL, GLADIVS RECORDS // IN ILLO TEMPORE, RADEK BULDRA; 2024)

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

Music for Firewalkers

is a struggle to find harmony

any time any place

where it seems to be unreachable.

Harmony of peace and war,

harmony of sacrifice to be taken,

harmony of hope and emptiness

of love and loneliness

of pain and relieve

of fire and water in one perfect embrace.

And speaking of musical sense,

it is the harmony between avantgarde and traditionalism.

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

Sobre la escena underground de República Checa he escrito largo y tendido... una escena que para mí se remonta en interés a mis bienamados Plastic People of the Universe, DG307 o PULNOC en una primera etapa de experimentación y que en una segunda oleada (o al menos a mí me gusta llamarla así) se extiende a una serie de grupos / colectivos / o este caso, músicos en solitario como Willhelm Grasslich a los que casualmente llegué a través de la escena Noise, Dark Ambient e Industrial de Grecia. Es una historia que he contado demasiadas veces para repetirla aquí, así que baste con ir pinchando en los enlaces que iré dejando para reconstruirla. 

Así de sopetón, a Grasslich lo conocí por su otro proyecto (me temo que ya extinto según recientes noticias) UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS y que poco después, daba una radical vuelta de tuerca a su estilo para conformar BLIND RULER CURSED LAND, ente etno-ancestral que funde el Neofolk esotérico y hermético con la Worldbeat o el Folk, dando unos excelentes toques marciales y que en 2021 sacaría la apabullante cassette Chrysantheme Delirium (Run Fixion Records) y poco después en 2023 el Split en vinilo con Arabian Family Playback (Sky Burial, Debila Records y Radek Buldra).

Su nuevo trabajo, Music for Firewalkers, se edita tanto en CD (4 paneles) como en un espectacular vinilo de acabado naranja marmóreo que suena de lujo (grabación, mezcla y masterizado en Vanillagate Audio, Czech republic) y que ha sido financiado gracias a SoundCzech, Divadelní ústav: Institut umění y Rok české hudby, y la edición en sí repiten los eslovacos Sky Burial, los franceses In Illo Tempore (the temple of Gladivs Records) y el paisano Radek Buldra. Para redondear el apartado técnico, la sugerente portada es de Barbora Bieylonovič y el insert A5 interno de Tereza Žižková / kouzlo pomíjivosti. 

A nivel sonoro es difícil de definir pero lo primero que se me viene a la cabeza es un cruce entre los discos más épicos de Sol Invictus o Current 93 mezclados con unos Muslimgauze pero en versión hindú... que ahora que lo pienso, ese aroma hippiesco lo tenía Albin Julius en su segunda encarnación como Der Blutharsch and the Infinite Church of the Leading Hand aunque os puedo asegurar que las cosas no son tan sencillas como parecen porque ahí rezuma en la retaguardia un necro Space Rock a la Kosmische (no sé, tipo Seven that Spells) que me ha dejado con la mandíbula colgando por la manera en la que se juega con la intensidad en subidas y bajadas espectacualres. BLIND RULER CURSED LAND han grabado una absoluta bestia de disco que va del tirón a uno de mis favoritos del año.

Por cierto, ¿qué cojones es un Firewalker?.... pues dice Grasslich: `To be a firewalker means that you are ready to be consumed by flames. As a firewalker you embrace this spirit of voluntary death in the name of harmony instead of tragedy. Harmony is thus the natural essence of firewalking´. Sobre los instrumentos usados no puedo dar muchos datos porque lo desconozco, pero las cuerdas tipo Santoor, Sarangi y parecidos están muy presentes en esas partes meditativas que recuerdan a las Morning Ragas de la Clásica Hindú. 

Abre el disco "The Great Loneliness Is Great Because It Is Unbreakable" donde una grabación de campo acuático da lugar a una sombría pero a la vez mayestática introducción de corte épico (en cierto modo `cortesano´ o incluso pastoral a lo Popol Vuh) sobre el que va desarrollándose más capas de teclados y las cuerdas de corte oriental que siguen teniendo ese empaque que era compatible con Uncle Grasha´s Flying Circus (sobre todo Stalinist God) de abigarrada crítica contra el decaimiento cultural, moral y político, especialmente crítico con los fanatismos. De forma sutil se va fundiendo en flautas ancestrales y sigue luego de forma natural el marcadamente oriental "Crossing the Rubicon", con un uso de las cuerdas muy cercano (vuelvo a citarlos) a Popol Vuh y por supuesto a la música meditativa hindú que aunque no conserve la estructura de la típica Raga, tiene la misma vértebra. Espectacular esas subidas y bajadas de algo que parece un subyugante theremin postapocalíptico (como una sirena en un ataque antiaéreo). Lo marcial y percusivo entra de lleno con la claustrofóbica "War is to Be our Judge", suerte de himno militar con reminiscencias a Sol Invictus o Death In June con las consabidas voces de Apocalyptic Folk clásicas del género (homiliescas, imperativas y declamatorias).

"Agni Keli" vibra en la misma longitud de onda que una Shruti Box. Dark Ambient y Drone pasados por filtro Neofolk oriental con unas percusiones fabulosas. Cascabeles, flautas y ambiente de guerra con pasajes de guitarra acústica, gongs en esta celebración del Agni Keli o festival del fuego que se realiza en Mangalore (India) y que casualmente conecta mucho con la música de Blind Ruler Cursed Land en el sentido de que se usan pulsátiles y sinusoidales melodías tradicionajes junto a patrones rítmicos percusivos dentro de una poderosísima aura mística. Cierra la Cara A "Firewalker's Prayer" que a los elementos meditativos hindúes añade un mantra vocal dentro de percusiones marciales consiguiento una brutalísima atmósfera que viene a ser como unos apócrifos Wovenhand establecidos en India y con rasgueo de cuerdas acústicas al más puro estilo sitar. Entra la base rítmica dando un toque Kraut rockero y me doy cuenta de que mi líquido cefalorraquídeo acaba de ser eyectado rumbo a Plutón.

Le doy la vuelta al vinilo y los 15 minutos de la monolítica "Embrace" suben todavía más el listón. En inicio es parecido al de la Cara A (motivos acuáticos, bases de teclados...) pero apostillar que la marcha y partes del tema se basan en "La Victoire Est à Nous" de André Grétry (1741-1813) y las letras son del poeta Marcus Annaeus Lucanus (39-65AD), concretamente War To Be Our Judge:

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

`From modest fountain blood-red Rubicon    

In summer's heat flows on; his pigmy tide

Creeps through the valleys and with slender marge

Divides the Italian peasant from the Gaul.

Then winter gave him strength, and fraught with rain

The third day's crescent moon; while Eastern winds

Thawed from the Alpine slopes the yielding snow.

The cavalry first form across the stream '

To break the torrent's force; the rest with ease

Beneath their shelter gain the further bank.

When Caesar crossed and trod beneath his feet

The soil of Italy's forbidden fields,

"Here," spake he, "peace, here broken laws be left;

Farewell to treaties.  Fortune, lead me on;

War is our judge, and in the fates our trust.´

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

15 minutos que se basan en subidas y bajadas de intensidad... en partes más atonales y otras que incluso juegan con percusiones tipo Gamelan dándole un toque hipnótico acentuado. Como unos Popol Vuh gamelianos puestos hasta las trancas de LSD. Irrumpen marchas militares con samplers bélicos y gaitas espectrales a modo de pequeños interludios en esta especie de decrépita suite que contrastan de forma espectacular con las Jam lisérgicas que te dejan exhausto (puro Space Rock) con su Spoken Word subrayado con theremin en una aleación de Neofolk muy, pero que muy original. Como meterte un dedo por el culo y darte la vuelta al cuerpo como un calcetín para catalogarte los órganos por colores.

El cierre del disco pasa por el epílogo / mantra de "For A Flower Called Sacrifice Sun Never Sets (Firewalker version)" que nos permite coger algo de aire a base de Country Hindú infecto contagioso con fundido a Noise Industrial bélico y esa breve perla ambiental de "Now you Walk in".

DISCAZO ULTRARECOMENDADO.

https://blindrulercursedland.bandcamp.com/album/music-for-firewalkers

https://nomadskydiaries-skyburial.bandcamp.com/album/blind-ruler-cursed-land-music-for-firewalkers

https://gladivsrecords.bandcamp.com/album/music-for-firewalkers

RADEL BULDRA

buldrar@gmail.com