jueves, 20 de febrero de 2025

TÉTANO-CUTANÉ / EN FER - "SPLIT" (AUTOEDICIÓN, 2024)

Hay círculos que precisan cerrarse y dentaduras melladas que precisan adecentarse así que en toda su gloria espacial, os traigo la reseña del Split de los Canadienses EN FER con TÈTANO-CUTANÉ también de Montreal (Quebec). Bien.... la cosa es que quien suela salir a orinar al espacio sabrá que por aquí ya os traje reseñas de su excelente debut autoeditado Gros Rock (2023), al que siguieran los brutales La Collision (2024) y el compartido junto a DISEMSEMBLE (2024). Todo ello un aliño en salmuera ácima de Space Rock y Noise Lo fi equivalente a darle forma redondeada a un detritus espacial con los empastes de amalgama de mercurio que ponían en los dientes en mi infancia. ¿Por qué se graba este Split?.... pues Martin Sasseville lo explica a la perfección:

`We discussed with Tétano-Cutané’s Vincent Latulippe to do a split with us a while ago. We are big fans of his works and he is a very friendly person we love to work with. It took a while for many reasons, nearly a year since the initial release planned date, but here it is.

The main thing that we love in Vincent’s works is that he is a true pure musical artist with a very creative attitude. Sounds cliché, but you don’t get across that kind of person often, we can name just a few. He builds his own guitars, hack the other instruments at his own will, record most of his stuff, do all the arts, self-release most of his stuff, often plays live alone (though, sometimes accompanied by a drummer sometimes), etc. A total DIY artist´.

Pues dicho y hecho. Dos temas de 10 minutos, uno por cada cara de la cassette que esta vez el artwork alía tanto a Martin Sasseville haciendo el collage habitual en sus ediciones como al propio Latulippe pintando encima de dichos collages. La Cara A es para EN FER que vuelven a ser Alex Pelchat, Michel Meunier, Charly Buss, Reüel Ordoñez (encargado también de grabación / mezcla en Studio SYP, Montréal) y Martin Sasseville. "Riviere A" es un tema bastante sutil, y calmado comparado con otras erupciones previas que os he traído de ellos anteriormente que pertenece a las sesiones descartadas de Gros Rock cuando se estaba gestando en 2022. Cadencia mediúmnica con teclados y efectos vibrando en la misma longitud de onda que una shruti box, acoples drónicos y wah wah eterno sobre base rítmica opiácea son los ingredientes sobre los que se construye ese Space Rock sucio y cuasi atonal que tanto me gusta. La sensación no es de despegue sino de mantenimiento de la estabilidad aunque sí que hay peligro de perder los remaches de la nave con esos apelmazados riffs de guitarra que aquí EN FER han decidido sumergir en un tempo lento y cuasi Doom sobre todo en una parte central que se aboca lenta pero inexorablemente a una taimada pero efectiva, psicodélica y necrótica Jam crujiente.

La Cara B es para la extrañísima Jam Psych Session "Tétano-Cutané - 2036" que suena brutalmente atonal y Kosmische en su primera parte con un abanico de guitarras y percusiones que remiten a esa oscuridad metempsicótica del más oscurísimo Kraut. Lo que a priori parece un corte circense aleatoriamente Dadá, acaba conviertiéndose en una matemática pieza con la entrada allá por el minuto 3 de una estructura mucho más rockera que te va escarbando la psique como un abceso mental; brutal delirio Noise con pleitesía hacia el Avantgarde guitarrero a lo Frith que va añadiendo capas como un andamio sonoro pero sin perder el cariz crudo y Lo fi que emana de este tipo de proyectos. Allá por el minuto seis y pico estalla en un mántrico delirio cacharril que emula a instrumentos de vientos y lo que parecen voces metálicas eructadas por el esófago de Dios. Una especie de cruce entre Jad Fair y Buckethead.... o eso me ha parecido a mí.

Por supuesto, te deja ganas de muchísimo más. Podéis adquirir la cinta junto a otras en cómodos bundles a través de:

https://ironapproved.bandcamp.com/merch

https://tetanosband.bandcamp.com/music

domingo, 16 de febrero de 2025

AVELINO SAAVEDRA, OBRA PLÁSTICA (EDITORALIA EDICIONES, 2025)

 

Vamos por partes.

Gracias por las 900.000 visitas a La Muerte Tenía Un Blog. Saliendo de mi zona de comfort desde 2010.

Un saludo a los que no me soportan, a los que me han insultado a lo largo de estos años por mantenerme firme en mis obsesiones, a los que me mandan enlaces digitales y sobre todo, a los que no saben que antes de que llegueran yo ya estuve allí.

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En otro orden de cosas, EdictOràlia Llibres i Publicacions ha editado la obra plástica de Avelino Saavedra en un voluminoso, cuidado, apabullante libraco a todo color donde he tenido en inmenso honor de poder poner unas letras que bueno, Avelino Saavedra y Josep Lluís Galiana han tenido a bien de juzgar pertinentes a pesar de su cariz ultraterreno y mediúmnico. Si alguien no entiende algo del texto, le recomiendo pase directamente a la página 19 donde:

Joan Gómez Alemany despieza con precisión de cirujano y ya con buen hacer literario, académico y profundo el amplio abanico estilístico de Saavedra. Avanza pors secciones y aparecen por ahí mi amigo en la distante cercanía A.L. Guillén, personas más completas celularmente que yo amartillando fabulosas reflexiones como Bartolomé Ferrando, Fuencisla Francés, Álvaro Terrones y el grandioso hijo de KORG, Javier Piñango. Tiene a bien dinamitar esta fabulosa edición Josep Lluís Galiana en un impagable texto final donde adorna en su hermanamiento de música y amistad con Saavedra.

¿Qué más decir?........... Pues que cuando abres el libro y ves la pureza del arte de Avelino Saavedra el aliento se corta.

IMPRESCINDIBLE EDICIÓN que me está poniendo tontorrona la zona del Muladara Chakra.

https://www.edictoralia.com/avelino-saavedra-obra-plastica-y-mas/

martes, 11 de febrero de 2025

ROT COVEN - "NIGHTMARES DEVOUR THE WAKING WORLD" (AESTHETIC DEATH; ADCD 105, 2024)

Desde las pútridas ciénagas necro verdosas del sureste de Pensilvania nos llega uno de esos proyectos que se instalan en tu psique como un parásito hasta que te acaban colonizando por entero... ROT COVEN, duo de apabullante Noise Industrial Doom ultra extremo formado en 2020 pero que cuenta con dos miembros que vienen ya colaborando desde hace prácticamente dos décadas. Su cariz experimental y eclecticismo da para bastante pero así de sopetón, así que imaginad una mezcla entre algunos discos de los SPK, Khanate, Skullflower, Ramleh y la pulsatilidad de Throbbing Gristle, SWANS o Einstürzende Neubauten mezclada con los discos más EBM de Controlled Bleeding. Cuando sumes estos ingredientes te darás cuenta primero de que te vas a quedar corto, y que es mejor simplificar resumiendo con que el tremebundo doble disco, Nightmares Devour the Waking World es en resumidas cuentas un desafío séptico al oyente que equilata a la perfección la aspereza del Harsh Noise con un Doom de corte experimental y avantgarde que podría recordar a los siempre olvidados Zaraza. Algo así como si una cósmica Deidad Perdida te lanzara una pedrada con un tirachinas existencial.

Evidentemente, estos sonidos sólo pueden salir de la siempre acertada apuesta de AESTHETIC DEATH que se marca un fabuloso doble digipack que incluye por un lado en el CD 1 el disco Nightmare Devour the Waking World (subtitulado como Phase I y que se editó en digital en 2023 y aquí masterizada para la ocasión), y un álbum nuevo en el CD 2 llamado Phase II que es de 2024. El resto de los créditos se va para el artwork / logo de vieja escuela de Nate Vaught (Brainvault Studio) y masterizado de Tom Waltz (Waltz Audio Mastering) tras grabación que se realiza en In the Murder Shed (2023/2024).

La críptica formación se compone de miembros que han estado o están en Sun Wound, Celestial Furnace, Six Billion Light Years, Teeth Engraved With The Names Of The Dead y más proyectos que ahora no logro identificar. Aquí, y en la esquina orinada del meteorito que subyace detrás de Orión, Rot Coven son:

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MZ - Drums/ Vocals/ Noise/ Scrap Metal/ Bass/ Amplified Coil Spring/ Synth/ Shortwave Radio
DD - Baritone Guitar/ Vocals/ Drums/ Noise/ Synth/ E-Bow

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El CD 1 (Nightmares Devour the Waking World, Phase I) se abre cortándote el aliento. "Blood Pours Out of the Sun" es un crescendo que va desde el puro Dark Ambient cuasi cinematográfico a un sincopado ritmo marcial con percusiones épicas que se mezclan a la perfección con el Noise en una densa subtrama que va a caballo entre el Industrial Noise tipo SPK o Ramleh a proyectos espaciales tan denostados como los Funeral Doom rusos Septic Mind. Se hace mucho hincapié en la melodía hasta el punto de que puede recordarte también (por citar cosas más contemporáneas) a Pharmakon o Trepaneringsritualen aunque realmente cuando todo estalla es a MZ412 a quien tengo en mente. Aunque se cite por ahí en otros medios al Sludge (quizás por la suciedad del sonido), no es algo que yo realmente comparta; para mí esto es muy más abyecto, crudo y visceral, especialmente en el ecléctico uso de las voces que aunque por lo general se centran en algo cercano al Power Electronics, van desde lo rasgado a lo cuasi imperceptible, pasando por cánticos procesados y acercamientos al Black doom. 


Por cierto, vuelvo a romper una lanza por Uncertainty Principle, Zaraza, The Nulll Collective, Torture Wheel, Hlidolf y en general, todo ese sustrato ultra underground que me curtió en salmuera sónica. La sensación de irrealidad o mejor dicho, realidad anómala que me transmitían esos grupos sale a relucir en Rot Coven como un exudado post mortem en "Feast Of The Rotted Mother" donde las guitarras se cargan de la electricidad estática producto del telurismo que lleva nuestra Galaxia a un punto indeterminado de fuga en el centro del puto cosmos. Sobre una base ruidista se abre inexorable una lenta melodía fúnebre de guitarra que se va apelmazando con una base rítmica sincopada y procesionaria. Si esto no es Doom, que venga Dios y me amortaje. Fabuloso cuando todo estalla en una inconmensurable rabia Black donde no queda ni un resquicio por el que respirar y sin duda con mucha vértebra atonal / caleidoscópica de los dioses ESOTERIC.

Impresionante abanico de Death Industrial cósmico que pasa por fases contemplativas como ese inicio abisal de "Antimatter Halo" cargado de minimalismo arrastrado, profundidad Doom y que se va creciendo en sus 11 minutos de extensión en una molécula bivalente y cíclica entre Godflesh y Coffins. Si los dos anteriores cortes eran buenos, este me parece perfecto. Tempos bien medidos, guitarras que entran aceradas en buenos solos que contrastan con las partes más ruidistas y una profundísima sensación de `disociación mental´ que suelo alcanzar con este tipo de discos. 

Siguen los 4 minutos de respiro ambiental y Harsh Noise de "Queen of the Void", preludio perfecto para el cierre monolítico de "Those Who Worship Fallen Stars", con inicio basado en sintetizadores espaciales, cánticos etéretos y cierto halo mistérico a la Kosmische tipo Tangerine Dream o como si a los Popol Vuh les hubiera dado por el Metal. Sin prisa por arrancar, se van añadiendo elementos que junto a la guitarra se enclavan en un Funeral Doom de libro, pegadizo como una meningitis espongiforme y por momentos recordándome al más acústico Transience (2016) de los japoneses Funeral Moth. Si existe algo parecido al Doomgaze es esto. 


El CD 2 es su nuevo álbum, creo que llamado simplemente Phase II y que consta de 3 cortes en 44 minutos. Mismos protagonistas, misma asfixia. "Inverted Chasm" roza los 20 minutos y vuelve a traer esa oxidada pátina mortuoria del Industrial Doom (género que o amas u odias). A ritmo sincopado, la base rítmica te lleva de la mano a un viaje de no retorno al inframundo que por cierto, recomiendo escuchar con auriculares para captar toda la plétora de sonidos que arropan un doble juego de voces (gutural y otro algo más chillón) descomunal. Golpeo de metales, roces y glitches en el reverso tenebroso de unos Einstürzende Neubauten o ese olvidadísimo primer disco Stahlwerksinfonie (1981) de Die Krupps. Pasajes de guitarras en general un álbum más estructurado y menos caótico que el anterior en el sentido de que está más depurado (pero sólo un poquito más porque la tetania decrépita sigue acechando). 

Sobre el minuto 10 se vuelve a la sobriedad cósmica del inicio en una insania loopeada tipo Abruptum (última etapa, se entiende) y con voces cercanas al Suicidal Black. Nuevo inicio pues para un mismo tema pero esta vez desde una óptica todavía más apesadumbrada y plúmbea donde la organicidad de la percusión ha mejorado muchísimo con respecto al otro disco y eso imbuye al conjunto de cierto aire retro a pesar de lo Avantgarde del asunto (ojito a los insertos futuristas tipo Esoteric) hasta el punto de que asoma un aroma tribal lejano (eso sí, no sé si la tribu en cuestión es de aquí o de Ganímedes).


"Psychological Contamination Zone" es casi un score de un Survival Horror, pura moozak atmosférico para preludiar "Accretion Disk Necropolis" que se yergue por derecho propio como el digno colofón que es... una excelsa incursión en el lado oscuro de la psique muy cercano a Ramleh, Theologian, Ramleh e incluso Gnaw Their Tongues.... serpenteante, maligna, oscura y hermética escalera `escheriana´ que te destila lo anteriormente descrito en una pasta alquitranada tan oscura y densa con la que amortajarte en vida en un poliédrico sudario cargado de dádivas para atravesar el río Styx.

Otro de mis discos del año. SOBERBIO.


martes, 4 de febrero de 2025

GUILLERMO MARTÍN VIANA - "SONGS OF RAGE AND IMPOTENCE 1LL0~ Remixes" (OIGOVISIONES LABEL; OV·26, 2024)

Seamos claros. La primera vez que escuché a Songs of rage and impotence - 1LL0~ Remixes del sevillano afincado en La Hague, Guillermo Martín-Viana (pintor, diseñador gráfico, programador, músico y artista multimedia) me costó creer que fuera una edición de Oigovisiones Label de Málaga. No porque no pegue en su estilo, que si que lo hace, sino porque por algún cable suelto que tengo por ahí dentro la música de este brutal quinteto me ha remitido a esa vuelta de tuerca del Spiritual Jazz conectado a la electrónica de sellos como International Anthem de Chicago o Souffle Continu de Francia (por ejemplo, aquella espectacular edición de In Fractured Silence donde colaboraban los Nurse With Wound). Tengo que reconocer que no sabía de su trabajo y ya me he hecho la flebotomía de castigo correspondiente, máxime teniendo en cuenta que la escena underground Sevillana me la tenía bastante trabajada aunque claro, más por la vertiente Jazz a la que se accede por el Rock y el Metal (escúchese, léase, investíguese Hidden Forces Trio, Sputnik Trio, Malheur, Proyecto Ocnos...) y no desde la perspectiva de la electrónica aunque creo que no ando muy desencaminado que este álbum suena como todos los artistas anteriores pasados por la turmix del gran David Cordero.

Oigovisiones Label me hace el trabajo con este perfecto resumen de su trayectoria: `Guillermo Martín-Viana (1995) es un baterista, compositor y artista visual de origen sevillano. Su versátil carrera artística le ha llevado por algunos de los principales escenarios de los Países Bajos (Paradiso, Het Concertgebouw Kleine Zaal, Paard, Oerol, Zwarte Cross, Parkpop, Melkweg, De Ruimte), así como por una gran variedad de salas de todo el mundo (Corea del Sur, Nepal, México, Italia, Japón, Bélgica), tocando estilos tan diversos como hard bop, cumbia, música electroacústica, jazz, klezmer, free improv, ska y thrash metal´

Para entender bien del todo la base de este proyecto, hay que insistir en que `material del que parte es fruto orgánico de las composiciones de Guillermo para un «cuarteto de jazz extendido». Esto en manos de 1LL0~ (Guillermo junto a Juan Luis Montoro), quienes ya participaron en nuestro Acto de Fe, aporta una riqueza musical con la que traspasan libremente estilos y mezclan ambient, jazz, impro, electrónica, progrock o electroacústica sin complejos´.

Leído el anterior texto había algo que no me cuadraba y es que creía controlar todo lo editado por OV LABEL pero tras una corta investigación averiguo que efectivamente, no tengo el recopilatorio Acto de Fe (2020, creo que agotado), donde los citados 1LL0~ hicieron acto de presencia. Necesito hacerme con esto porque encima sale mi admirado Miguel Souto o mi amigo Pepo Galán... aunque eso ya es otra historia. Pues bien, seguimos dando detalles; Sons of Rage and Impotence se graba en vivo como cuarteto de Jazz con Danilo Mormandl (guitarra eléctrica), Raúl Santana (teclados), River Adomelt (contrabajo), Juan Luis Montoro (electrónica) y Guillermo Martín-Viana (batería) para posteriormente abordarlo desde una postproducción añadir efectos, modelado de sonido y demás virguerías (instrumentos base muteados, ondas de ruido pseudo-aleatorio, algoritmos en SuperCollider....) y transformando el álbum en crudo en esta otra cosa que ha dado en llamarse como digo, Songs of rage and impotence - 1LL0~ Remixes. Y es imposible no hacer hincapié en el excepcional trabajo artístico artesanal de Oigovisiones Label que fulcanellizan el vinilo con:


Mate UV protected open custom sleeve on 350gr paper
Risographic printed Postcard with a download code of Original "Songs of rage & impotence"
140gr black vinyl
Black paper antistatic innersleeve
PVC protective sleeve

Dicho lo cual, aprovecho para decir que en la edición física (porque esto ha salido en vinilo) viene una tarjeta diseñada por Sophie Czich que si mis datos no son erróneos, son para la descarga de la grabación jazzera en bruto sin remezclas. El resto del apartado técnico se nos va al clásico inconmensurable mil veces nombrado en el Blog Francisco Ureba y sus Trafalgar Estudios, quien además hace la mezcla con Guillermo y Juan Luis. La masterización corre a cargo de Murat Çolak (GERYON). Apartado gráfico como digo de Sopie Czich y si queréis coincidencias, pues resulta que Juan Luis Montoro que hace la electrónica ya participó en el álbum Interlingua Musical del ruidista tartésico Ortiz Morales que reseñé por estas lides.

Línea de contrabajo muy a lo Mingus para abrir "Trains are Better than Planes [1LL0~ remix]" sobre un fondo de electrónica pseudo-selvática al más puro estilo de Eno o John Hassell. Luminiscente y evocadora el procesado de la guitarra eléctrica que transita rozando el Jazz Rock desértico e incluso diría que el Space Rock crepuscular de unos Yawning Man mientras notas burbujeantes ultracósmicas me hacen dudar de que no se trate de algún álbum perdido de la época de la Kosmische Alemana. Glorioso como los teclados parecen derrapar hacia un Hammond y la sutilidad de una batería que deja muchísimo espacio para que se desarrolle en primerísimo plano el bajo que está particularme enorme. Lejos de decaer se va en ascenso directo en un in crescendo épico con multiplicidad de capas vertebrando una suerte de Drone Jazz cósmico de alto voltaje. 

La grandilocuencia del anterior contrasta con "Callejeando - an Ode to Tourism [raw]", que si no me equivoco se ha respetado tal cual del álbum original. Pianos más lento que Satie tras una dosis excesiva de Diazepam se van derramando en una melodía circular tipo caja de música que conforme va avanzando añade más notas, sube el tempo y entra el contrabajo creando un mistérico clímax Noir que aunque no es ni Cool Jazz ni Avantgarde.... es algo a medio camino que gusta primero por el uso de melodías no previsibles, y por el otro por su roce tangencial en terrenos más Free (sin llegar a la abstracción de Cecil Taylor a quien cito por ser un corte guiado por un piano fabuloso). Por cierto, otra vez impresionante Adomelt al contrabajo. Sigue "Callejeando (your hometown is now a theme park) [SC]" con efectos percusivos de Guillermo que me remiten nuevamente tanto al Cuarto Mundo de Hassell como al glorioso MU de Cherry / Blackwell. Selvático, claustrofóbico y amenazante conforme se va trenzando con toda una vorágine de ruidos de todo tipo propios de la electroacústica pura y dura, todo ello desmenuzado para el gran público en clave de Free Jazz angular.

"Don’t be Afraid of Being Underestimated" cierra la Cara A con cinco minutos que empiezan con un dorne de contrabajo tocado al arco, mayestáticos cascabeles y teclados y en general, algo parecido a la electroacústica sombría que conecta con el Dark Ambient. Aquí la guitarra se explaya haciendo dupla con la batería de Guillermo que junto con el flujo drónico en segundo plano provoca desasosiego en el oyente... el tema más jazzero hasta ahora y para mí el que más me ha sobrecogido. Estalla la guitarra al punto de conectarse con lo metalero y por momentos me parece estar metido en uno de esos discos de Tzadik o de Doom Jazz que parecen mezclar Klezmer con Doom (y evidentemente Jazz) tocados a un tempo tan lento como el devenir de un Kali Yuga.

La Cara B la ocupan los 22 minutos de "Paz (para mi madre) [Extended version]" cuyos pastorales inicios remiten a los Popol Vuh más introspectivos y es que sin querer meterme demasiado en el tema, hay muchos elementos en común con el Progresivo setentero aquí y allá. Flotante Ambient orgánico de corte mántrico e hipnótico en el que irrumpen etéreas voces oceánicas (Alba Careta) embarullada en una base compacta y barroca muy del estilo del malagueño Pepo Galán. Lo que parecen flautas tipo Ney (que es una Turkish Kaval a cargo de Tomás Carrasco Gubernatis) copulan con las espirales notas de una guitarra española, (Moa Edmunds Guevara) que zurce una bella melodía levemente sugerida y que se completa por entero en el cerebro del oyente a modo de puzzle. Si mezclas Hassell en el disco que sacó con los Harmonia, le metes a The Orb y hierves a punto de ebullición en el caldo del Prog Folk... bueno, si haces eso es que estás tan mal de la cabeza como yo. Eclecticismo, experimentación, emanación para un corte que bebe de toda esa corriente que mezcló lo oriental con la Kosmische (Deuter, Popol Vuh, Schulze y especialmente por la guitarra, Sergius Golowin (Lord Krishna von Goloka).

En resumidas cuentas, un vinilo de adquisición obligada limitado a 100 copias exquisitamente editado con buen gusto y hacer por OIGOVISIONES LABEL.

https://oigovisioneslabel.com/portfolio/songs-of-rage-impotence-1ll0-remixes




miércoles, 29 de enero de 2025

BLADIMIR ROS - "UN TRAGO DE LUZ" (PRODUCCIONES SIN/CON PASIONES; 2024)


reseña dedicada a DON MANUEL LUQUE

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`Ya es imposible no verlo.
Esto se va a acabar.
Un asteroide gigante
viene a toda velocidad.
Brilla en el cielo nocturno
con colores no vistos jamás.
Atraviesa la galaxia
con su enorme cola glaciar.´
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Vuelven BLADIMIR ROS dos años después del excepcional La Batalla por las Tabernas con un nuevo álbum de corte bastante más intimista (quizás la palabra correcta es `directo´) pero que en ningún momento baja el listón en su particular forma de entender la podredumbre existencial, o suerte de necrosis del alma que al caso es lo mismo y es que subyace en un segundo plano un aroma pesimista nada desdeñable que aflora sobre todo conforme vas dándole más y más escuchas. Cultura que se cronifica en Arte cual pauta farmacológica abusiva para oyentes adictos al odio poético, desgarrador e irónico desde su ácimo debut homónimo Bladimir Ros (2019), por fin tenemos otra vez en el candelero a una de las bandas más soterradas del panorama nacional (para mí, merecen la GLORIA).

He escrito muchísimo y extenso sobre ellos, y por supuesto sobre la posibilidad existencial de que el Klezmer hubiera nacido en Zaragoza bajo la carpa de un decrépito circo (chatarrero, por supuesto) donde tocaran músicos de esos que nadie sabe cuándo llegaron a este plano existencial; músicos de esos que son `hombres orquesta´ acompañados de crooners avejentados aquejados de tetania, y curtidos en barrica con voces almidonadas en salmuera.... músicos que podrían ganarse la vida pasando por los barrios repartiendo jeringuillas usadas para a la vez que despliegan su arte, afilar las navajas y tijeras de los vecinos para batirse en duelo en los jardines traseros... músicos de esos que cabalgan la insania poética en sus letras al estilo Mallarmé, Panero y por supuestísimo, músicos de esos que mantienen una mirada fija con el espectador cuando están en el escenario y creedme cuando os digo de que eso, eso impone.


Un Trago de Luz es el nombre del álbum que vuelve a editarse en formato vinilo, esta vez a cargo de Producciones Sin/Con Pasiones y por cierto está muy bien prensado sonando de lujo tras la grabación, edición y mezclas de Juan Miguel Sánchez (Inguz) / Carlos Chahuan y la posterior masterización de Inguz. Diseño y fotografía de portada corren a cargo de Óscar Baiges manteniendo el fiel espíritu original de blancos y negros con toques amarillos que me encanta (y no, no es un Giallo, ni ellos son los STRYPER y mucho menos la banda sonora apócrifa de la Abeja Maya). A la sazón, aquí Bladimir Ros son Ros Beret (`cuerdas vocales de cristal de bohemia agrietadas al pil-pil´), Carlos Chahuan (`faca con mango de ciervo de seis hojas´), Sergio Pons (`faca más estilosa de persona mayor y más sutil´) y Roberto García (`al dale que te pego bombástico´). Colaboran Julio Lafuente (bajo), Tomás Basabilbaso (piano y teclado), Saúl Arriojas (percusión y batería) y María Menéndez (coros). 


Abre la acústica amable punteada con anti slide necro/surf en "Meteorito", muy del estilo Javier Colis y sus últimos proyectos. La apocalíptica letra de Ros Beret roza la belleza cósmica aunque la pátina de tristeza impresa en la base rítmica sea de órdago. Letra y música para ver y sentir el fin de todo y,  xuriosamente en lo musical se me viene a la mente el último disco de los RIP KC aunque no logro identificar la razón (sapiencia melómana inconsciente versus demencia de que esto escribe). En palabras traducir el disco sería como llegar de veraneo a una playa con arena completamente negra, agua blanco esperma y clavar tu sombrilla y observar el hongo nuclear acercarse como una dádiva Hawaiiana. Por supuesto, las sandías se siguen metiendo en el rompiente.

Qué buenos son Bladimir Ros joder y qué me gusta los registros vocales canallas de Beret mientras dice eso de `no hay jinetes en la tormenta, tampoco trompetas del juicio final. Sólo en el silencio del bosque, el tintineo de las copas de champán´. Sigue "Abracadabra" con excelso Pop rock de autor, con ligeros toques oscurantistas que podrían conectarse con los temas más accesibles de los míticos El Luto del Rey Cuervo, y que embelesa con sucesivas escuchas y unas letras que me siguen pareciendo magistrales (`grita abracadabra conmigo, y no habrá peste ni imbécil, abracadabra conmigo, ni ejército ni huracán. Grita abracadabra, amor mío, y esta será nuestra tierra, abracadabra conmigo, de ella saldrá nuestro pan´). 


"Con un Farol" abre el abanico de la eléctrica en una pedalera que se expande como una versión haitiana ultra opiácea. Voz en primer plano sobre base rítmica simple pero efectiva. Poco acostumbrados estamos a buenas melodías y canciones (sí, canciones de toda la vida) trabajadas en forma de micro-historias con su nudo y desenlace, y que se te pega al encéfalo como una meningitis espongiforme o una tenia en el intestino. Bladimir Ros componen temas claramente para teatralizarlos y aprovechar la impresionante presencia de Ros Beret que se yergue como el frontman que oficia las homilías rurales de la españa de Baroja y Delibes... usan un Folk pastoral y circense con tintes Noir que estalla en esos sincopados ritmos mitad Ragtime, mitad Mancini en "Capitán, Capitán" que con su piano de taberna, su obsesiva línea de bajo y su olor a salitre es otra muestra de rock canalla. 

Los que me conocen saben que lubrico con los ritmos lentos, y "El Pájaro Cantor (Ve Apagando la Luz)" y su órgano teclado de Iglesia cutre evangelista es la base perfecta para construir un maravilloso himno Gospel poético, alegórico y cargado de desamor. Todo flota en uno de esos días neblinosos cargados de humedad; onirismo bonachón con su in crescendo homiliesco en el que la guitarra marca cada nota a sangre y fuego. Sigue el pseudo Tropicalismo Cañí (no existe eso, pero yo tampoco) de "Un Trago del Cielo" con algo de los primeros Gabinete Caligari; muy buenas percusiones y si el cha cha chá no llega es porque el coma etílico llega antes. Especificar que es un tema perfecto para que bailen los torpes porque exije sólo un ligero meneo o balanceo que copa en mano no queda mal y como sé que os vestís bien con camisas estampadas o medias de rejilla sobre deportivas, pues quedáis como señor@s. 


Crepuscular, acústica y desértica resulta "Ciudad sin Sombra", posiblemente de los temas que más me recuerdan a los discos anteriores; una delicia cuando aceleran el ritmo en esta especie de himnos etílicos. Especial mención al mini pasaje instrumental que se marcan con un fundido a negro percusivo que me flipa. "Río Huerva" es una juguetona joyita que se va creciendo con leves toques sinfónicos y unos ecos preciosistas que acaban conformando la canción de amor hacia un río más bonita jamás creada... el río Huerva (Olba para los Celtíberos, Bhat Warba para los musulmanes), afluente del Ebro y antigualmente escoltado por hordas de olivares. 

"La Enfermería" es pura esencia Bladimir Ros recogiendo el atavismo folk ancestral de las canciones e historias tocadas y contadas al amparo de la fogata. Coros de María Menéndez, y teclados que vibran en la longitud de onda de un acordeón en una estructura de algo tan fácil y difícil de etiquetar como Tango Teratogénico Marcial (ahí lo dejo). Bajo punzante castizo de chulapería mientras las letras te destrozan de dentro a fuera (`bailaré en tu enfermería mientras cae fuera el invierno, aunque sonría la muerte señalando su reloj´). Cierra "El Gran Encierro" que es posiblemente el mejor cierre de álbum que he escuchado en los últimos años.... espectral en su música estructurada en modo de mini-suite (dura 3 minutos pero de aquí podría haberse sacado mucho más) y especialmente en las voces graves que llegan desde un plano irreal. 

Puedo seguir describiendo pero prefiero fundirme con las letras de este IMPRESCINDIBLE DISCO y tercera obra maestra (más sosegada, pero más oscura en algunos tramos y cargada de pesimismo) de BLADIMIR ROS. Otro de mis candidatos a disco del año:

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`No sé cuánto tiempo llevo aquí ni por qué,
hace ya unos meses que no se ve el sol.
El cielo es plomizo y gris desde el amanecer
y veo peces muertos flotando alrededor.
Y ahora llueve ceniza
lentamente sobre el mar.
Llueve otra vez ceniza
desde la oscuridad.
Oigo algunas voces no muy lejos de aquí,
pero puede que sólo estén en mi interior.
Mentalmente lanzo esta oración al mar,
lánguidas plegarias para un mundo sin dios.
que se cierren los ojos,
que me alcance ya el sueño,
que se callen las voces
para poder dormir,
para poder dormir,
sólo quiero dormir,
sólo queda dormir,
si pudiera dormir.´
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jueves, 23 de enero de 2025

BLIND RULER CURSED LAND - "MUSIC FOR FIREWALKERS" (SKY BURIAL, GLADIVS RECORDS // IN ILLO TEMPORE, RADEK BULDRA; 2024)


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Music for Firewalkers
is a struggle to find harmony
any time any place
where it seems to be unreachable.
Harmony of peace and war,
harmony of sacrifice to be taken,
harmony of hope and emptiness
of love and loneliness
of pain and relieve
of fire and water in one perfect embrace.
And speaking of musical sense,
it is the harmony between avantgarde and traditionalism.
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Sobre la escena underground de República Checa he escrito largo y tendido... una escena que para mí se remonta en interés a mis bienamados Plastic People of the Universe, DG307 o PULNOC en una primera etapa de experimentación y que en una segunda oleada (o al menos a mí me gusta llamarla así) se extiende a una serie de grupos / colectivos / o este caso, músicos en solitario como Willhelm Grasslich a los que casualmente llegué a través de la escena Noise, Dark Ambient e Industrial de Grecia. Es una historia que he contado demasiadas veces para repetirla aquí, así que baste con ir pinchando en los enlaces que iré dejando para reconstruirla. 

Así de sopetón, a Grasslich lo conocí por su otro proyecto (me temo que ya extinto según recientes noticias) UNCLE GRASHA´S FLYING CIRCUS y que poco después, daba una radical vuelta de tuerca a su estilo para conformar BLIND RULER CURSED LAND, ente etno-ancestral que funde el Neofolk esotérico y hermético con la Worldbeat o el Folk, dando unos excelentes toques marciales y que en 2021 sacaría la apabullante cassette Chrysantheme Delirium (Run Fixion Records) y poco después en 2023 el Split en vinilo con Arabian Family Playback (Sky Burial, Debila Records y Radek Buldra).


Su nuevo trabajo, Music for Firewalkers, se edita tanto en CD (4 paneles) como en un espectacular vinilo de acabado naranja marmóreo que suena de lujo (grabación, mezcla y masterizado en Vanillagate Audio, Czech republic) y que ha sido financiado gracias a SoundCzech, Divadelní ústav: Institut umění y Rok české hudby, y la edición en sí repiten los eslovacos Sky Burial, los franceses In Illo Tempore (the temple of Gladivs Records) y el paisano Radek Buldra. Para redondear el apartado técnico, la sugerente portada es de Barbora Bieylonovič y el insert A5 interno de Tereza Žižková / kouzlo pomíjivosti

A nivel sonoro es difícil de definir pero lo primero que se me viene a la cabeza es un cruce entre los discos más épicos de Sol Invictus o Current 93 mezclados con unos Muslimgauze pero en versión hindú... que ahora que lo pienso, ese aroma hippiesco lo tenía Albin Julius en su segunda encarnación como Der Blutharsch and the Infinite Church of the Leading Hand aunque os puedo asegurar que las cosas no son tan sencillas como parecen porque ahí rezuma en la retaguardia un necro Space Rock a la Kosmische (no sé, tipo Seven that Spells) que me ha dejado con la mandíbula colgando por la manera en la que se juega con la intensidad en subidas y bajadas espectacualres. BLIND RULER CURSED LAND han grabado una absoluta bestia de disco que va del tirón a uno de mis favoritos del año.


Por cierto, ¿qué cojones es un Firewalker?.... pues dice Grasslich: `To be a firewalker means that you are ready to be consumed by flames. As a firewalker you embrace this spirit of voluntary death in the name of harmony instead of tragedy. Harmony is thus the natural essence of firewalking´. Sobre los instrumentos usados no puedo dar muchos datos porque lo desconozco, pero las cuerdas tipo Santoor, Sarangi y parecidos están muy presentes en esas partes meditativas que recuerdan a las Morning Ragas de la Clásica Hindú. 

Abre el disco "The Great Loneliness Is Great Because It Is Unbreakable" donde una grabación de campo acuático da lugar a una sombría pero a la vez mayestática introducción de corte épico (en cierto modo `cortesano´ o incluso pastoral a lo Popol Vuh) sobre el que va desarrollándose más capas de teclados y las cuerdas de corte oriental que siguen teniendo ese empaque que era compatible con Uncle Grasha´s Flying Circus (sobre todo Stalinist God) de abigarrada crítica contra el decaimiento cultural, moral y político, especialmente crítico con los fanatismos. De forma sutil se va fundiendo en flautas ancestrales y sigue luego de forma natural el marcadamente oriental "Crossing the Rubicon", con un uso de las cuerdas muy cercano (vuelvo a citarlos) a Popol Vuh y por supuesto a la música meditativa hindú que aunque no conserve la estructura de la típica Raga, tiene la misma vértebra. Espectacular esas subidas y bajadas de algo que parece un subyugante theremin postapocalíptico (como una sirena en un ataque antiaéreo). Lo marcial y percusivo entra de lleno con la claustrofóbica "War is to Be our Judge", suerte de himno militar con reminiscencias a Sol Invictus o Death In June con las consabidas voces de Apocalyptic Folk clásicas del género (homiliescas, imperativas y declamatorias).


"Agni Keli" vibra en la misma longitud de onda que una Shruti Box. Dark Ambient y Drone pasados por filtro Neofolk oriental con unas percusiones fabulosas. Cascabeles, flautas y ambiente de guerra con pasajes de guitarra acústica, gongs en esta celebración del Agni Keli o festival del fuego que se realiza en Mangalore (India) y que casualmente conecta mucho con la música de Blind Ruler Cursed Land en el sentido de que se usan pulsátiles y sinusoidales melodías tradicionajes junto a patrones rítmicos percusivos dentro de una poderosísima aura mística. Cierra la Cara A "Firewalker's Prayer" que a los elementos meditativos hindúes añade un mantra vocal dentro de percusiones marciales consiguiento una brutalísima atmósfera que viene a ser como unos apócrifos Wovenhand establecidos en India y con rasgueo de cuerdas acústicas al más puro estilo sitar. Entra la base rítmica dando un toque Kraut rockero y me doy cuenta de que mi líquido cefalorraquídeo acaba de ser eyectado rumbo a Plutón.

Le doy la vuelta al vinilo y los 15 minutos de la monolítica "Embrace" suben todavía más el listón. En inicio es parecido al de la Cara A (motivos acuáticos, bases de teclados...) pero apostillar que la marcha y partes del tema se basan en "La Victoire Est à Nous" de André Grétry (1741-1813) y las letras son del poeta Marcus Annaeus Lucanus (39-65AD), concretamente War To Be Our Judge:


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`From modest fountain blood-red Rubicon    
In summer's heat flows on; his pigmy tide
Creeps through the valleys and with slender marge
Divides the Italian peasant from the Gaul.
Then winter gave him strength, and fraught with rain
The third day's crescent moon; while Eastern winds
Thawed from the Alpine slopes the yielding snow.
The cavalry first form across the stream '
To break the torrent's force; the rest with ease
Beneath their shelter gain the further bank.
When Caesar crossed and trod beneath his feet
The soil of Italy's forbidden fields,
"Here," spake he, "peace, here broken laws be left;
Farewell to treaties.  Fortune, lead me on;
War is our judge, and in the fates our trust.´
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15 minutos que se basan en subidas y bajadas de intensidad... en partes más atonales y otras que incluso juegan con percusiones tipo Gamelan dándole un toque hipnótico acentuado. Como unos Popol Vuh gamelianos puestos hasta las trancas de LSD. Irrumpen marchas militares con samplers bélicos y gaitas espectrales a modo de pequeños interludios en esta especie de decrépita suite que contrastan de forma espectacular con las Jam lisérgicas que te dejan exhausto (puro Space Rock) con su Spoken Word subrayado con theremin en una aleación de Neofolk muy, pero que muy original. Como meterte un dedo por el culo y darte la vuelta al cuerpo como un calcetín para catalogarte los órganos por colores.

El cierre del disco pasa por el epílogo / mantra de "For A Flower Called Sacrifice Sun Never Sets (Firewalker version)" que nos permite coger algo de aire a base de Country Hindú infecto contagioso con fundido a Noise Industrial bélico y esa breve perla ambiental de "Now you Walk in".

DISCAZO ULTRARECOMENDADO.




RADEL BULDRA


lunes, 20 de enero de 2025

MONOTONE MURK - "WITHERING OF REALITY´S PRESENCE" (OMINOUS SOUNDS; 2024)

Me complace traeros hoy la reseña de la segunda edición del naciente sello OMINOUS SOUNDS dedicado al Dark Ambient, el Ritual y sonidos aledaños. Tras el excelente recopilatorio Rituals from Ancient Europe (podéis pinchar en el enlace para leer la reseña), sale este fabuloso Withering of Reality´s Presence de MONOTONE MURK de Malta, álbum que viene a confirmar las buenas sensaciones que me produjo el tema "Manifestations" del citado recopilatorio. Proyecto formado en 2020 y centrado en un Drone Ambient de corte ritual profundamente influenciado por cosas como AGHAST (ya lo pone el texto interior donde se dedica el último corte a Andrea Haugen Nebelhexë) y soporte tradicionalista como la `Sophia Perennis´ de Guenon o el controvertidísimo Evola en su andamiaje contextual / inspiracional. Como lecturas complementarias también recomendaría a Aldous Huxley en su La Filosofía Perenne, Ananda Coomaraswamy o Fritjof Schuon.

La edición en digipack (50 copias) no especifica el artwork pero me parece Inteligencia Artificial, cosa en la que no entro que ya peino demasiadas canas. Compuesto a modo de viaje sensorial a través del decaimiento del mundo moderno, y haciendo enroque espiritual con la inexorable decadencia corporal, abre "Transvering Sensory Desert" en un tono de Dark Ambient bastante sosegado pero nunca estancado que se disfruta mucho más a volúmenes altos y con auriculares. Suerte de iniciático viaje hacia en interior de la psique, pérfida traspolación de lo material a lo psicológica en una cópula sagrada con la membrana hematoencefálica, son 9 minutos envolventes en los que se hace especial hincapié en una atmósfera aterradoramente cósmica que por supuesto bebe de lo cinematográfico.

Sin perder nunca ese tono apocalíptico que lo imprima todo, "Beyond Sombre Conduits" usa elementos distintivos de corte ritual como acampanadas percusiones, partes de instrumentos de cuerdas procesadas / loopeadas con una angularidad Pendereckiana y una pátina orgánica que lo recubre todo como detritus (sin llegar al Harsh Noise, pero sí como herrumbre férrea flotante) en una lluvia postnuclear. Cuando uno intenta pensar en imágenes que se deriven de lo sonoro, piensa en las pinturas de un Caravaggio que hubiera nacido en el año 2055 y estuviese haciendo arte contemporáneo basado en la Divina Comedia... y es que en conjunto la aleación alquímica entre sonidos Industriales y Clásicos está muy bien conseguida hasta el punto de que vuelvo a citar (lo hice en la reseña de Rituals From Ancient Europe) a John Watermann y su Calcutta Gas Chamber o evidentemente Aghast). Me encanta cómo se disuelve el tema con abotargadas, espaciadas percusiones de tambor y un clímax absolutamente desolador.

"Doctrine of the Four Ages" tiene algo de Dungeon Synth, o al menos su epicidad es manifiesta. Conceptualmente no lo sé, pero imagino que la inspiración hinduísta / védica está ahí con la contraposición entre el Kali Yuga y el Satya Yuga... y por supuesto, no me meto en temas ideológicos tradicionalistas o perennianos (que los controlo porque leo, y el que lee sabe) porque no es mi misión ni interés. Me centro en lo cultural, la música y el arte que mientras sea respetuoso, tendrá cabida aquí. Ayuda muchísmo a la atmósfera el homiliesco sampler vocal (no logro identificar de quién es) que cambia de tono en "Mirrors and Nooses", sutil pero efectiva muestra de cómo esta música podría perfectamente encajar en un juego tipo Survival Horror como mi amado Silent Hill. Lo mejor del buen Dark Ambient es que si lo escuchas sin apresurarte, los cambios de ritmo surgen un efecto mucho mayor como es el caso de esa melodía pseudo Synth que se repite monolíticamente en la retaguardia.

Sigue el bloque compacto de "Ennui I" y "Ennui II" donde se aboga por un tono mucho más melódico en una suerte de nana estelar para mecer estrellas muertas o nonatas y es que me digo, ¿puede una estrella nacer muerta?. No es descabellado citar a la Kosmische más oscurantista, a Schulze y a otros eternautas pero bueno, imagino que todo dependerá de la longitud de onda de los hímenes timpánicos del respetable oyente. Mención especial para la melodía infantil, circense y casi de caja de música y su excelente deformación, elongación y contracción del tempo sobre notas sutiles de piano. "Flesh Departure", como dije más arriba dedicada a Andrea Haugen Nebelhexë, cierra el ourobórico ciclo vital con un anti clímax de exquisito Drone con ecos cósmicos que te lleva sin prisa en un viaje hacia atrás de desintegración cárnica a través del fuego hasta que te ves abocado a ese esfínter iniciático que une la individualidad del yo con el Cordón Umbilical de la primera esencia, aliento o Atman.

Muy recomendado para los amantes de estos estilos.

https://ominousounds.bandcamp.com/album/withering-of-realitys-presence

martes, 14 de enero de 2025

JAVIER ARNAL - "AWFF ALMERÍA WESTERN FILM FESTIVAL ORIGINAL SOUNDTRACK" (DIGIPACK, 2024)

Me enteré de la existencia de esta banda sonora del AWFF (Almería Western Film Festival) en un bar de Saigón al que fui a parar tontamente. Me quedé dormido en el puto desierto de Almería y como resulta que las dunas se mueven, y el tiempo ya no es lo que era y va a su arbitrio, pues con dos narices llegué a Saigón no me pregunten cómo. La cosa es que me enteré porque en Vietnam son muy amantes de la música de Javier Arnal (su lúbrica y gonadal mirada entrecerrada que les recuerda a sus ancestros); y bueno, entre una vaporosa nube de almizcle y fijando la vista, di a parar con un altarcito donde se veneraban allí juntitos Canciones Defectuosas (2016), Tus Besos (2018), El Impostor (2023) y The Liars (2021) y un Cd (bueno, eran dos pero esa es otra historia) que me pillaba por sorpresa.... esta banda sonora del Almería Western Film Festival imagino que de su última 14ª edición (de un sitio llamado Tabernas no puedes esperarte nada malo, evidentemente).

De Saigón me vine pronto y en Bus, que no tenía la Duna de vuelta pasaba a deshoras y bueno, a lo que voy, 40 arenosos minutos que se graban y mezclan en La Casita Rosa Estudio por el propio Javier, para luego masterizarse en los Sudblock Studios, usar fotos de Sergio Lucas y maquetar Marco Roca. Resulta fascinante cómo "Walking Under the Fire of Sun" (Sintonía Original) y su bandurrial deje de cuerdas, su repetitivo y ominoso cuadro melódico y sus cánticos melosos me traen a la cabeza una versión pornográfica de Ringo... y es que ostias, no siempre tiene uno que andar disparando balas. A partir de aquí se suceden pequeñas piezas / scores muy interesantes como el Country crepuscular de "Barro", algo así como una instrumental bastarda de 16 Horsepower. Me encanta la afinación lejana y casi `espacial´ de la guitarra. También me resulta curioso cómo las bandas sonoras de Western acaban enrocándose a la perfección con el Surf, pero eso sería para un ponzoñoso artículo de psicología Junguiana que no estoy dispuesto a realizar.

"Polvo" es muestra de lo que he dicho más arriba. Arrastrada y pérfida, recuerda a Javier Colis en determinados momentos en los ataques con eco de la eléctrica que se acompasa dúctilmente con la acústica. Los pequeños toques sinfónicos por lo visto son de algo que desenterraron sin querer el pellejo seco de Elmer Bernstein (o sería Goldsmith?) creyendo que era otra cosa, y como ya se sabe que con agua todo se recupera un rato, pues allí dio el tío sus últimas 3 clases magistrales. Sigue la magnífica "Walking Under the Fire of Sun" (Versión Mexicana) con el gran Javier mascando las letras como si fuera tabaco... ruido de cadenas y una epicidad a flor de piel. Y como el tío encima es elegante, se traga el tabaco mascado y silba. Cánticos indios y arpas, acordeón, violín y banjo en "El Cruce" es el punto exacto donde se cruzan Wovenhand con Guido y Maurizio De Angelis.

Muy estilizada "Cuervos" con algo de Los Chatarreros, de Colis, de toda esa amalgama de implocóctel ruidista de nuestros primeros (algo antes) 90 pero de Despeñaperros para abajo con una ominosa armónica in crescendo sobre la que se yergue el pétreo Spoken Word decadentista de Arnal (`waiting for another corpse´). Una tras otra como tiros caen "Walking", la evanescente coda para crujido de mecedora y silbido leporino para crescendo ruidoso "El Fin", la amenazante y Chatarrera "Tierra" o la bonachonamente campestre y cuasi experimental "Aire", temas que se van sucediendo con un nivel altísimo de composición que hace a este álbum algo más que una simple BSO de un Festival... y es que AWFF tiene la suficiente impronta y empaque para funcionar como un ultracohesionado disco de Rock Desértico (añada usted la etiqueta). La cosa es que cuentan que en Tabernas, debajo de las piedras no hay alacranes sino Arnalcranes, una especie que surgió tras una cópula entre... bueno, no es fiable el dato... la cosa es que hay otros Hijos de Puta, pero están todos dentro de Este.

Suenan caballos y una guitarra española acortijada te sierra el alma con esa clara calma antes de la "Dinamita". Ritmos latinos, palmas y sacar en procesión la espina dorsal de Xavier Cugat para tirarla luego a una cuneta (forajidos!). Anochece en el circo y todo se vuelve espectral.... chicharra y banjo sobre drone, combinación perfecta para que vaya haciendo efecto el mezcal. "Adiós" es un minuto y pico que es lo que deberías en tardar en pillarte una copia:

https://javierarnal.bandcamp.com/album/awff-original-soundtrack


jueves, 9 de enero de 2025

MINSK - "THE RITUAL FIRES OF ABANDONMENT" (CONSOULING SOUNDS; SOUL0200, 2024)


`In my darkest hour my blood runs free
I’ve come to lie on the fire
I’ve come to stare at the sun
Where two bleed as one´

The Ritual Fires of Abandonment es el segundo de los cuatro largos de los americanos MINSK, editado en 2007 y uno de sus discos más laureados que inicialmente saliera por Relapse Records pero que tras años descatalogado los insignes belgas de CONSOULING SOUNDS vuelven a traerlo de vuelta en todo su esplendor (doble lp con varios colores y el precioso digipack de toda la vida). Hablar de MINSK es complejo ya no sólo por sus diversos cambios de formación, como por su críptica y hermética tableta de sonidos y texturas. En este disco, los de Chicago eran Christopher Bennett, Timothy Mead, Sanford Parker y Tony Wyioming con diversas colaboraciones que detallaré más adelante.

En el apartado técnico, el disco se produce, graba y mezcla por Sandford Parker en los Volume Recording de Chicago para posterior masterización de Collin Jordan (The Boiler Room). Cuenta además con letras basadas en escritos de Khalil Gibran y finalmente artwork y layout se van para Orion Landay y Anthony Couri respectivamente. En cuanto a sonido, se mueven en una suerte de cruce entre el tribalismo triposo de los últimos Swans, los abigarrados riffs de guitarra de cosas como Pelican, Isis, Cult of Luna y demás pero para mi gusto mucho más oscuro y enraizado en un Avantgarde que les lleva a retorcer (sobre todo a nivel percusivo) patrones que en principio pudieran recordar a Neurosis, Uffomamut, Yob o Unearthly Trance pero que afortunadamente poco a poco va adquiriendo su propia personalidad única e intransferible, posiblemente por esa manera de aunar Sludge, Hardcore, Doom, Psicodelia con partes Ambient y Tribales.


`The voice cannot carry
The tongue and the lips that give it wings
For even as love crowns you
So shall it crucify you
Descend to your roots
And shake them from their clinging to the earth
We shall be together
When the white wings of death
Scatter our days´

A pesar de haber pasado 18 años desde que se publicó, su oscurísima lisergia alquitranada, las incursiones en atonales abismos ultra poliédricos y la absoluta barrabasada de Parker a la voz eleva a The Ritual Fires of Abandonment a esas marmóleas antesalas del Olimpo. Abre el disco la descomunal (casi 15 minutos) "Embers"; un patrón percusivo `hacia atrás´ y cascabeles crean una pátina tipo Dead Can Dance en su Spiritchaser (1994). Hace acto de presencia un hipnótico bajo y psicotrópicos toques de sintes en lo que es una apertura de gran empaque épico. Las voces, casi un cántico susurrado y donde colabora Gladys Couri, remiten a bandas de Prog setentero, cosa curiosa porque la mala baba que se va acentuando tipo Neurosis (quizás tipo A Sun that Never Sets, 2001) casa a la perfección con lo anterior y cuando uno se da cuenta han pasado cinco minutos como un suspiro y el corte estalla en todo su esplendor Sludge Doom machachón, cósmico y estilizado. El arreón final, puro Uffomammut / Unearthly Trance en toda su gloria y epitafio de piano y sintetizador. 

Siguen dos cortes muy interesantes. "White Wings", con un trabajo alucinante de los teclados y efectos tipo eco dentro de un tema eminentemente paquidérmico de esos que invitan al despiece. Arreones de guitarras apelmazadas que recuerdan a Boris / Neurosis o incluso a los High on Fire. Pseudo monásticos cantos casan a la perfección con el registro limpio de Parker a las voces, hasta que entra la instrumental "Mescaline Sunrise" para alborotar todos los neurotransmisores posibles... Ambient desértico y crepuscular, líneas de guitarras meditabundas y espaciadas y en suma, algo así como los Yawning Man apurando los últimos trozos de peyote mientras se apagan las llamas de la hoguera en un desierto ignoto. Sin solución de continuidad, todo da paso a la monolítica "The Orphans of Piety", quizás algo más enclavada dentro del Doom Avantgarde en sus primeros y sinuosos compases, y luego tirando de esa vertiende del Occult espacial tipo NAAM, ANCESTORS y otros grandes olvidados del panorama musical. Desde aquí toda una alucinógena sábana de bases rítmicas, cánticos que recuerdan muy mucho a Swans hasta que todo desemboca en la aterciopelada línea de saxo de Bruce Lamont que nos mete de lleno en el oscurantismo submundo del DoomJazz.


`There is a season a time to die
And the word games end as the clock thunders by and the rain sears this pain
As my streams keep running dry´

"Circle of Ashes" es instrumental salvo por voces sampleadas. Una preparación ritual para que el oyente salga vivo de la descomunal y plúmbea "Ceremony Ek Stasis", nutrida por colaboraciones de saxo (Bruce Lamont), voces de  Gladys Coury y Taryn Parker.... inicio casi de Space Rock pastoral a un pasito de la Kosmische hasta que entra la base rítmica. Los elementos electrónicos y de teclados pasan a un plano más cercano (casi que a primerísimo), se sube la intensidad y la negritud del Post Rock más Sludge se espesa en grumos cuasi cárnicos sobre los que van planeando voces limpias que me remiten a ese Neo Progresivo nórdico a lo Tusmorke, Arabs in Aspic y cosas así. Impresionante el nivel compositivo y lo fácil que hacen que parezca todo.... vaya manera de hacer que pasen los minutos como un suspiro, de alterar los estados de consciencia y no estancarse ni un sólo segundo. El saxo cuasi latino acoplado a percusiones casi brasileñas termina por sacarme de este planeta, para luego transformarse en agónicos extertores y finiquitar 60 minutos de auténtica locura.

Muy recomendado.